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domingo, 15 de junio de 2014

ARTÍCULO ACERCA DE LA PASADA EXPOSICIÓN DEL ARTISTA VIK MUNÍZ EN LIMA , PUBLICADO EN LA REVISTA INTERNACIONAL "PUERTOS"

ARTÍCULO PUBLICADO EN  LA REVISTA INTERNACIONAL CULTURAL "PUERTOS",  EL PASADO MES DE ABRIL DEL 2014, ACERCA DE LA PASADA EXPOSICIÓN EN EL MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE LIMA (M.A.C.-LIMA) DEL ARTISTA VIK MUNÍZ:


"VIK MUNÍZ, CREADOR Y PERPETUADOR DE UN ARTE EFÍMERO". IMPRESIONES ACERCA DE SU MÁS RECIENTE EXPOSICIÓN RETROSPECTIVA «MÁS ACÁ DE LA IMAGEN»

Por: Rosa María Vargas R.
Fotografías: (C) Rosa María Vargas R.  

Desde el pasado 23 de enero del presente año, en la ciudad de Lima, Perú, se lleva a cabo un importante acontecimiento en el ámbito artístico: exposición retrospectiva «Más acá de la imagen», del Artista Brasileño Vik Muníz. El evento tiene lugar en el Museo de Arte Contemporáneo de Lima (M.A.C.), dentro del marco de la celebración del primer aniversario de creación de dicho museo. El día de la apertura, el artista realizó una conferencia previa a la inauguración de la muestra, la cual permanecerá abierta al público hasta el día 13 de Abril.
  VIK MUNÍZ (São Paulo-Brasil, 1961). 
Es un artista visual conocido por realizar obras de arte empleando materiales poco convencionales como chocolate, alimentos y material de desecho usado en reciclaje. Este es su sello personal, con el que identificamos su arte desde hace casi dos décadas. Tras llegar a New York (Estados Unidos), en la década de los 80, se dedicó a la escultura, más tarde se orientó hacia la fotografía, técnica que ha sido fundamental para el desarrollo de su trabajo tanto en el campo artístico como en la publicidad. Desde sus inicios, sus propuestas han sido bien recibidas por la crítica y las galerías de arte, quienes han alabado su trabajo en todo el mundo; entre ellos, la autora Kirsty Bell, quien ha dado su opinión acerca de su obra: «Vik Muníz realiza imágenes fotográficas seductoras y espirituales, sus temas nos son familiares, un célebre retrato de Sigmund Freud, un trip painting de Pollock o el famoso The Courbet “el origen del mundo”. Sin embargo la satisfacción de haber reconocido la fuente, da paso rápidamente a la sorpresa cuando vemos “de más cerca” “el retrato de Freud” o la pintura de Pollock, que fueron realizadas con chocolate y el de Courbet enteramente esculpida con polvo».  En el año 2010 participó en el documental «Waste Land», dirigido por Lucy Walker, donde la responsabilidad social y el arte se fusionaban para crear conciencia respecto a la dura realidad de los recolectores de basura en la ciudad de São Paulo, Brasil. Este documental fue nominado al premio Oscar y obtuvo el premio del público en el prestigioso festival de cine independiente Sundance (Estados Unidos). Su preocupación, y trabajo, comprometido con su comunidad, lo llevó a ser nominado como embajador de buena voluntad por la UNESCO y merecedor al premio Crystal, otorgado por el Foro Económico Mundial. Sus diversos trabajos artísticos han sido expuestos alrededor del mundo, en países como Rusia, Irlanda, Estados Unidos, Canadá, Brasil, México, Portugal, Francia y, más recientemente, en Perú presentando la exposición retrospectiva «Más acá de la imagen».
Desde su aparición en 1824, la fotografía fue vista como una forma de perennizar un paisaje, un momento familiar o un simple retrato. Pero no solo ha conseguido reproducir una imagen, ha llegado a convertirse en una herramienta con la que registrar hechos importantes. A finales del siglo xix se produce la inclusión de la fotografía en las artes visuales, consolidando una corriente denominada «pictoralista» o «impresionista» que tendría sus orígenes casi treinta años atrás, en 1860. Previo a esta corriente se encontraba la denominada «academicismo» basada en la estética de los elementos de la pintura académica en cuanto a temática y estilo. Dicha corriente consideraba la fotografía como una obra de arte en sí misma, por ser una «pieza única», tanto durante el proceso de la composición de la escena como tras revelarse el producto final: la foto. Destacaron inicialmente en este arte, Oscar Gustav Rejlander, André Adolphe y Eugène Disdéri, este último, además, es considerado como uno de los primeros teóricos de la fotografía, al publicar su tratado: «Estética de la fotografía» en 1862. A inicios del siglo xx, algunos artistas como el peruano Carlos Baca-Flor, emplearon como punto de partida la fotografía para realizar sus famosos retratos, los cuales poseían un realismo casi fotográfico.
La fotografía simplificó muchas cosas y se convirtió en una herramienta imprescindible en el arte. Con el tiempo, especialmente durante la segunda guerra mundial, cobra una mayor importancia en el medio escrito. Los diarios y revistas vieron en la fotografía un recurso, el cual ha sido aplicado desde entonces para narrar, visualmente, acontecimientos históricos, complementar artículos escritos o en publicidad (un ejemplo de esto son aquellas célebres portadas de la revista «Life», que también han servido de inspiración a Vík Muníz).En pleno siglo xxi, pese a los avances tecnológicos en cuanto a la evolución de la cámara fotográfica -de analógica a digital-, de otros medios como la televisión y la aparición de Internet, la fotografía continúa siendo vital para la prensa escrita: impresa o virtual. En la actualidad, artistas como Muníz la emplean como parte esencial en la realización de su producción artística.
La totalidad de la obra de Vik Muníz está basada en registros gráficos de imágenes icónicas del pasado, como las portadas de las revistas, las fotografías de hechos que marcaron la historia o las obras de arte mundialmente conocidas que han calado dentro del imaginario popular bajo la premisa de «hacer arte con memoria y no con la emoción»,  según las propias palabras del artista.Su arte es efímero y el registro fotográfico consigue que perdure, de ahí la preocupación de Vik Muníz por la resolución de la imagen. En esta reciente exposición retrospectiva «Más acá de la imagen», se pueden apreciar algunas obras memorables, como: «Los niños de Azúcar» (1996), serie fotográfica que lo hizo conocido y en el que plasma la alegría y dulzura de unos niños cuyos padres trabajan en las plantaciones de azúcar y cuya vida es, contrariamente, agotadora, dura y no tan dulce. Otra de las series destacada dentro de la muestra, es la titulada «Imágenes de basura» (2008), cuyo proceso artístico está documentado en el documental «Waste Land».
 Pese a la complejidad en la construcción de su obra, el artista transmite un mensaje claro y sencillo, alejado de los intrincados discursos intelectuales que emergen de la filosofía del arte, o como diría el propio Muníz: «quiero que mi obra sea comprendida tanto por un niño de siete años como por un abuelito de noventa».
ROSA MARÍA VARGAS R.
Historiadora, Crítica de arte y Curadora independiente.

Fotografías y diseño: Rosa María Vargas R. © All rights reserved



NOTA: Mi más profundo agradecimiento al artista Vik Muníz por haber accedido a posar gentilmente para mi cámara durante la inauguración de su exposición.


viernes, 6 de junio de 2014

MI IMPRESIÓN ACERCA DE LA EXPOSICIÓN "EMERGENCIAS, DIBUJOS RECIENTES", DEL ARTISTA RHONY ALHALEL LENDER.



El pasado jueves 24 de abril 2014 se inauguró la exposición “Emergencias, dibujos recientes” del artista Rhony Alhalel en la galería “Yvonne Sanguinetti”, ubicada en el distrito de Barranco en Lima, Perú. Dicha exposición llegó a su fín el 17 de mayo, y que ha sido-sin duda alguna-una de las más importantes del medio debido a su destacada labor artística.

 Rhony Alhalel Lender                 
(Lima, 1959). Artista plástico, con estudios en la Facultad de Arte de la Pontificia Universidad Católica del Perú. (1976-81). Sus estudios de postgrado y una maestría en pintura los realizó en la Universidad de Tama en Tokio, Japón, en el año 1984. Obtiene el grado de maestro en SHO, Caligrafía Japonesa Contemporánea en 1991. Obtiene una beca gracias al Ministerio de Educación del Japón y la Fundación Japón para realizar trabajos de investigación en torno a la conciencia espacial y procesos de creación en Oriente en lo referente a pintura, escultura y arquitectura, desde el Zen hasta la actualidad. Asimismo ha investigado y elaborado materiales de uso caligráfico tradicional (papeles, tintas y pinceles) tanto en Japón, China y Korea. En Kyoto colaboraría como director de arte en la revista cultural Kyoto Journal. Además trabajó como intérprete, en compañías de diseño y otras actividades, que lo llevaron a vivir 12 años en Asia, retornando posteriormente al Perú en 1993.  Tiene  en su haber diversas exposiciones individuales y colectivas tanto en el Perú como en el exterior, además de participaciones en proyectos y concursos públicos con las esculturas monumentales. Entre los premios y distinciones recibidas destacan: Primer Premio Rose Garden en el Concurso de Pintura de Kanzai (Japón, 1990), y el Primer premio en el concurso nacional de fotografía auspiciado por el Yomiuri Shimbun, Tokio, Japón.

Actualmente es docente en la Facultad de Arte de la Pontificia Universidad Católica del Perú.  Sus obras forman parte de colecciones públicas y privadas en el Perú  y en países como: Japón, Estados Unidos, Cuba, Puerto Rico, Israel, Argentina, México, China, Francia e Islandia. Pero desde hace buen tiempo que se viene dedicando a realizar dibujos en tinta china y  grafito.




En la Actualidad, partimos del dibujo como primer paso en la planificación  y/o elaboración de  diversos  proyectos en casi todas las áreas del conocimiento humano. Partiendo del boceto para comenzar a dar forma a una gran idea y luego materializarla.  Desde la prehistoria, el hombre emplea el dibujo como una manifestación mágico–religiosa y en ella el hombre ha ido plasmando  su cosmovisión e idiosincrasia a través del tiempo. Antiguas civilizaciones como la egipcia  emplearon el dibujo como arte funerario. En las culturas prehispánicas del antiguo Perú como la cultura Moche, en su cerámica reprodujeron  sus ritos, actividades cotidianas e incluso a sus guerreros en pleno combate. En Asia- específicamente en Japón-la caligrafía y el dibujo son artes milenarios a los cuales hay que dedicarles tiempo y paciencia. Se origina en china y se trasladó a Japón por intermedio de  los coreanos allá por el siglo IV de nuestra era. La caligrafía en dicho país  posee el mismo valor y  alto nivel al igual que una obra de arte y eso, quizás, haya influenciado las anteriores propuestas de Alhalel inspiradas en el Shodo (caligrafía japonesa) arte que aprendió durante sus años  en el continente asiático, cuya precisión y dominio ha trasladado, también  a su labor artística.


En esta reciente propuesta observamos una marcada evolución del artista comparándolo con su anterior producción, dejando de lado la influencia de la caligrafía asiática y dándole a su obra identidad propia.  En los dibujos de Rhony Alhalel se aprecia un buen manejo de la técnica empleando la tinta china la plumilla y creta-material que posee un acabado similar al carboncillo- creando superficies y texturas en aquellas formas bien logradas que parecen materializarse y cobrar vida gracias a la tridimensionalidad casi escultórica que el artista le otorga entre otras cosas, por el buen manejo de luces, sombras, creando volúmenes y cavidades de diversa profundidad; gracias a la precisión de sus trazos, de una meticulosidad casi barroca (que no permite  espacios vacíos) sin pasar por alto ningún detalle. En esta serie apreciamos la metamorfosis inconclusa de entes que se definen entre lo antropomorfo y lo zoomorfo mimetizándose armónicamente con las texturas inspiradas en las superficies de las rocas volcánicas similares a  la piedra pómez y las formas geométricas que en conjunto sugieren movimiento. Sus dibujos  por instantes parecieran tener un carácter expresionista: pues logramos percibir diversas emociones en los trazos que conforman un lenguaje para expresar y reproducir los diversos estados anímicos, que van desde la calma hasta la ansiedad, solo basta observar detenidamente sus  dibujos para percatarnos de ello, o como bien afirma el artista, según sus propias palabras: “sensaciones e imágenes que se ensamblan a partir de múltiples fuentes que sin buscarlas se encuentran con seres permeables e innombrables, con criaturas informes, inestables, en transformación, crecimiento o desaparición…”

Próximamente,- para ser exactos- en el mes de septiembre de este mismo año, tendremos oportunidad de apreciar nuevamente, pero en su real magnitud,  la obra completa del artista en la Galería del Museo de Santo Domingo, más conocido como “Coriqancha” en el Cuzco, un motivo más para no perder la oportunidad de apreciar el sorprendente trabajo de un artista cuya trayectoria y obra ,en las diversas disciplinas artísticas que domina, son dignas de elogiarse y que lo convierten  en un importante referente del arte contemporáneo peruano.

ROSA MARÍA VARGAS R.
HISTORIADORA Y CURADORA INDEPENDIENTE


Fotografías y diseño: Rosa María Vargas R. © All rights reserved