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domingo, 1 de enero de 2017

LAS EXPOSICIONES MÁS DESTACADAS EN ARTES VISUALES DEL 2016


REPRODUCCIÓN DEL ARTÍCULO DE MI AUTORÍA, PUBLICADO EL DÍA SÁBADO 31 DE DICIEMBRE DEL 2016, EN LA REVISTA VIRTUAL LIMA EN ESCENA :


          http://limaenescena.blogspot.pe/2016/12/vigilar-y-castigar-fotografias.html

           
              LAS EXPOSICIONES MÁS DESTACADAS EN ARTES VISUALES DEL 2016

                                         ESCRIBE: ROSA MARÍA VARGAS R.

                                        FOTOS: ARCHIVO ROSA MARÍA VARGAS R.

En el 2016, además de la gran afluencia de exposiciones que se han venido llevando a cabo, también ha sido un año de lamentables pérdidas para las artes visuales en el Perú: los pintores Juan Javier Salazar y Venancio Shinki, además de los escultores Lika Mutal y Miguel Baca Rossi, han dejado un gran vacío en nuestro medio, pero su legado artístico estará siempre presente en nuestra memoria y continuarán siendo referentes para las nuevas generaciones de artistas y parte de la historia del arte en el Perú. 
Este presente año han destacado artistas de diversas generaciones, cuyo trabajo artístico no puede dejar de mencionarse en las presentes categorías que, bajo la humilde opinión de quien escribe, merecen tal distinción y de los cuales se hará mención a continuación:

MEJOR EXPOSICIÓN RETROSPECTIVA:

            

En esta terna se deben considerar dos muestras importantes: La de Jaime Higa: El Dedo En La Llaga, en la galería German kruger del ICPNA de Miraflores  y  La exposición antológica de Cristina Gálvez en la sala Luis Miró Quesada Garland de la municipalidad de Miraflores.


La retrospectiva de Jaime Higa(Callao-Lima, 1960), bajo la curaduría de Miguel López, titulada  El dedo en la llaga, recorre toda la trayectoria  artística del  artista quien es considerado  además,   como uno de los  referentes importantes en cuanto a la “apropiación” de imágenes icónicas y como en alguna oportunidad quien escribe comentara en su momento,  su concepción es aún más transgresora  que la de Wharhol  o la del propio Lichtenstein.   Jaime Higa  se apodera de los personajes de comics e íconos de la cultura popular, la literatura y política Peruana, los reinterpreta otorgándoles una atmósfera mundana, lúdica, satírica e irónica (combinando personajes del “manga” japonés o de los Comics americanos), sin demasiada pretensión, ni sustancia, características que reflejan claramente aquella “vanalidad” propia de dicha corriente estilística, dando como resultado obras predominantemente efectistas pero muy bien logradas y recurrentemente cargadas  de simbolismos.  Higa posee un buen dominio del dibujo, pintura y  de las técnicas gráficas digitales, su empleo del color y el dibujo imitan fielmente las tonalidades empleadas en el  “Comic”, y sus artísticos “collages” también destacan. Éstos últimos forman parte de la etapa inicial de Higa como Artista y el cual considero, es el  trabajo más personal de toda su producción.  Sus objetos intervenidos y encajonados resultan muy interesantes, atractivos visualmente. Esa misma actitud lúdica se ve reflejada en la fotografía intervenida donde a modo de secuencia de imágenes pero desde una óptica gay que resulta explícita del desnudo homosexual pero al mismo tiempo apela a una suerte de sátira a la censura social. Al mismo tiempo sus instalaciones que van desde lo más tipográficamente conceptual hasta lo  más evidente-recordando aquella pintura/intervención/instalación que realizara conjuntamente con el artista Eduardo Tokeshi  titulada:  Uchuraccay, dando un giro hacia un arte más contestatario, denunciando un hecho histórico como la matanza de ocho periodistas asesinados en el mencionado lugar ubicado en la región de Ayacucho allá por el año 1983, hecho fatídico que forma parte de nuestra memoria histórica para quienes sobrepasamos los cuarentas. Además Jaime incursionó durante varias décadas en la performance y en esta muestra nos hace evocar aquellos días, gracias al material fotográfico existente. Igualmente se debe reconocer el acertado trabajo curatorial de esta exposición, porque la  misma, es la más completa del artista pues, ha logrado reunir, todas las disciplinas artísticas en las que ha venido incursionando a lo largo de su prolífica trayectoria y este gran esfuerzo consigue reafirmar (aún más) a Jaime Higa como uno de los representantes más importantes del arte peruano contemporáneo.
Respecto a la exposición antológica de Cristina Gálvez (Lima-Perú, 1916-1982) bajo la acertada dirección de Jimena Mora, denominada:  “100 años de Cristina Galvez”, quien en la década de los setentas(siendo ya una consumada escultora) impartirá clases de dibujo en su Casa-taller en el distrito de Miraflores(Lima) a quienes después serán destacados artistas de nuestro medio, entre ellos: Sonia Prager, Margarita Checa, Bruno Zepilli Gino Ceccarelli, Charo Noriega, Armando Williams, Rhony Alhalel, Etc. La exposición está conformada por algunas piezas escultóricas, dibujos y  litografías de una de sus series más destacadas: “tablero de ajedrez” y en dichas técnicas se puede apreciar la influencia del dibujo tradicional europeo que nos remite a artistas como “El Bosco”, por ejemplo; además de advertir una recurrente estética de lo grotesco de sus estilizados, e híbridos personajes  enmarcados dentro de una atmósfera violenta y surrealista de sus litografías, mientras que en sus dibujos y escultura los dota de una fuerte carga emotiva y características andróginas; y el común denominador de toda su obra radica en la precisión de la línea, aun cuando ésta es suelta, la misma denota el resultado de su habilidad y por supuesto: de su formación académica; en suma,  rasgos que han venido caracterizando la producción de la artista a través del tiempo. Y si agregamos a lo antes mencionado, su legado en la metodología en la enseñanza artística, estamos ante la obra de un referente importante de la escultura moderna y del dibujo en el Perú del siglo XX y esta muestra antológica es un justo reconocimiento a su memoria.


MEJOR EXPOSICIÓN INDIVIDUAL:
                                   

Buscando a Pizarro, de Marcel Velaochaga (Lima-Perú, 1969), realizada en la galería del ICPNA de Miraflores. En esta muestra pictórica, el artista apela a la apropiación de imágenes y a la memoria histórica del Perú, teniendo como imagen icónica protagonista a la figura del Conquistador Francisco Pizarro –imagen extraída de la obra del pintor Daniel Hernández( Huancavelica-Perú, 1856 – Lima-Perú, 1932), lienzo que pintara en 1928. Partiendo de dicha imagen  el artista conjuga  diversos contextos de nuestra historia, apelando a la ironía y a la sátira  para construir una atmósfera bizarra en la cual se entremezclan no solo la tradición y la cultura sinó también otros males endémicos de nuestra sociedad: la corrupción, la violencia y la opresión de la clase dominante, elementos de una realidad peruana atemporal heredada de Pizarro y los españoles desde su llegada al Perú en el siglo XVI; y que, gracias a la habilidad de Velaochaga, se convierte en suerte de analogía, donde a pesar de las numerosas coyunturas políticas y sociales por las que atravesó el Perú, nos demuestra que la historia es cíclica: los procesos políticos, sociales, económicos etc. son los mismos pero lo único que cambia son los actores, y la evolución positiva o negativa han sido y serán una constante de la realidad peruana de ayer, hoy y siempre.

En esta serie, la aplicación del color por parte del artista es básicamente en planos y en capas, el tratamiento del mismo es producto los efectos obtenidos con las técnicas de la gráfica. Su paleta posee una diversidad cromática que por instantes se puede asociar al naturalismo académico y en otros se observan colores más cercanos a los tonos de las escalas de Pantone, esto último es una característica indiscutible del color en el  diseño gráfico. Asimismo, se pueden apreciar otros íconos visuales del arte peruano, tal es el caso de Atahualpa, extraído de la obra de Luis Montero “Los funerales de Atahualpa” y cuya versión “pop art” realizaría el propio Velaochaga en el año 2005;  las mujeres del ande del  Pintor Quispejo o una inscripción de la obra dedicada al libertador Simón Bolívar realizada por José Gil de Castro en el siglo XIX forman parte de la iconografía de esta muestra. Con esta  suma de apropiación de imágenes, el artista nos invita a realizar una reflexión crítica de la historia contemporánea del Perú en todos sus aspectos a través de la pintura: técnica y propuesta que  Marcel Velaochaga maneja con suma destreza y que lo ha convertido en estos últimos años en uno de los artistas más destacados de su generación.



MEJOR EXPOSICIÓN COLECTIVA:  
                                   

 Manos Creadoras: Manos  De Mujer (bajo la curaduría de Cesar Ramos). Esta es una propuesta que aborda además del arte, el tema de género, integrando la técnica académica de destacadas artistas visuales del medio, tales como: Luz Letts y Lici Ramirez( solo por mencionar algunas), con el trabajo de las artistas tradicionales procedentes de diversas regiones del Perú; desde la perspectiva antropológica de su curador. El trabajo de los artistas regionales ha sido erróneamente denominado desde hace mucho tiempo (de forma peyorativa e inconsciente) como “artesanía” y,  por otro lado, en un intento de revalorar este arte en la década de los setentas, se le adjudicó la etiqueta de “arte popular”; términos que no le hacen justicia,  y por mucho que se piense que el trabajo de los artistas regionales posee una naturaleza empírica, es sin embargo, el resultado de un proceso de aprendizaje-a través de la enseñanza- el cual se ha venido transmitiendo de generación en generación y concebidos además, bajo sus propios cánones y ello se denota en la forma, el empleo del color(intenso y vibrante en la mayoría de piezas), las texturas de sus materiales, etc, etc. De ahí su particular sentido de la estética: rasgos que a través del tiempo han ido identificando el arte de los diversos grupos étnicos quienes han recibido el legado de  ancestrales civilizaciones durante el transcurso de su historia, y además, han venido empleando materiales e insumos producidos en su propia región y, que de algún modo , han sido considerados como poco convencionales para el arte occidental, sin embargo,  desde hace algunos años atrás, están siendo explorados por artistas visuales de formación académica como materia prima para materializar sus propuestas: los tejidos, la indumentaria, el arte utilitario de raíces andinas o amazónicas, los patrones del dibujo amazónico, los tintes  empleados para dar color a la tela, todos ellos son recurrentes actualmente como parte de la investigación para las diversas propuestas de artistas académicos en la actualidad, y por ende esta exposición consigue  valorar y unificar el trabajo de mujeres peruanas desde la perspectiva artística sin que ello altere su identidad como artistas. Una buena exhibición que dignifica y revalora  las artes tradicionales a través de una transición inclusiva del arte tradicional desde su lugar de origen hacia la galería de arte a través de la fusión entre lo moderno y lo tradicional de artistas mujeres peruanas unidas por sus habilidades y talento sin importar su procedencia, la formación que posean, ni su propia esencia artística. 



MEJOR EXPOSICIÓN HISTÓRICA Y FOTOGRÁFICA:
                                 

 Vigilar Y Castigar, Fotografias Penitenciarias Del Siglo XIX, en  A,A & A  Gallery, ubicado en el Callao monumental.  La muestra ha sido dirigida por Sophía Durand en co-curaduría con Sonia Cunliffe, quienes han investigado acerca de la fotografía como parte importante de la organización documental de la otrora Penitenciaria de Lima (Panoptico), construida tras abolirse la pena de muerte, entre 1856 y 1860, por disposición del Presidente del Perú, Don Ramón Castilla,  dando inicio a un sistema carcelario del cual el Perú carecía por aquel entonces. Establece, entre otros aspectos, que la fotografía ha sido permanentemente un instrumento de control y orden por parte del estado y actualmente tiene el mismo propósito (y lo seguirá teniendo, ya sea apelando a la fotografía u otros medios tecnológicos).  Así mismo, nos demuestra que el Perú del siglo XIX no fue ajeno a ese medio de control a través de la fotografía o Daguerrotipo, nombre con el que se le denominaba por aquel entonces en honor a su creador: el Francés Louis Jacques Mandé Daguerre; y desde la llegada del invento de Daguerre al Perú en 1842(traído por el fotógrafo Maximiliano Danti) se consideró una herramienta tecnológica que tuvo un propósito comercial, dando lugar así a los primeros estudios fotográficos itinerantes y estables que realizaban fotografía artística para una clientela con un mero afán por perennizar un acontecimiento familiar o por la necesidad de identificarse o ser reconocido mediante el económico formato fotográfico de la “tarjeta de visita”, aunque las dimensiones del formato fotográfico empleadas por el sistema penitenciario de aquel entonces era reducida en comparación con el formato de la tarjeta de visita.

Partiendo de la investigación documental, las curadoras recurren a los registros gráficos como fuentes de información y en especial a la fotografía vista, incluso, más allá de la perspectiva del arte: como un soporte documental o documento de registro, recreando a través de ella(la fotografía) el contexto, permitiendo además, que el observador desde su propia percepción identifique y analice los rasgos psicológicos y /o los sentimientos encontrados a través de cada expresión facial o lenguaje corporal de los protagonistas, que han sido reproducidos a fidelidad por la cámara. Así mismo, establece que nuestro incipiente sistema carcelario del siglo XIX adolecía desde sus inicios de una deficiente organización y en especial, en lo relacionado a los documentos de gestión administrativa durante las últimas cuatro décadas del decimonónico, y de cómo gracias a la investigación basada en este pequeño fondo documental recopilado (el cual consta de 52 documentos originales), bien sería el punto de partida para reconstruir un período de la historia penitenciaria en el Perú y al mismo tiempo(bajo la perspectiva del arte) nos permitiría abordar la parte técnica(como el empleo de insumos empleados en fotografía durante el siglo XIX en el Perú , por ejemplo) y aspectos del lenguaje gráfico-formal(composición, luz, color, etc. etc.) incluyendo así a la “fotografía penitenciaria” como un género fotográfico como un referente más para las investigaciones realizadas en torno a la historia y evolución de la fotografía en el Perú.  Un excelente trabajo Curatorial y de investigación, poseedor de una bien fundamentada justificación de sus registros gráficos presentados.


MEJOR EXPOSICIÓN EN VIDEO/INSTALACIÓN:

                                   

Tránsito Anónimo, de  Rosa María Valle (Lima-Perú, 1991), Artista visual egresada de la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú. Obtuvo la Medalla de Oro otorgada por Ensabap como alumna destacada de su promoción, en la especialidad de Pintura (2015) y en el presente año 2016 obtiene el Premio ICPNA Audiovisuales, con el Proyecto Tránsito Anónimo. En dicha exposición, la artista construye su propio lenguaje visual empleando como medio la instalación audiovisual, alternando secuencias de escenas con imágenes icónicas yuxtapuestas (recurriendo a la edición de imágenes a través de la extensión digital conocida como gif).  Por otro lado, otras imágenes se aprecian en contraposición pero bajo el principio de  reflexión (como si fuesen reflejadas en un espejo), superposición de imágenes compuestos por signos indéxicos (que nos indican acciones que van a suceder o que han sucedido) y,  algunos simbolismos que complementan al discurso de la artista y es, a través de la imagen en movimiento, con la cual denota y acentúa la importancia del espacio temporal ante el frecuente desorden cotidiano del tránsito peatonal y vehicular dentro del contexto-por demás caótico- del  Centro de  Lima. Sumando todos los elementos antes mencionados, la artista construye a partir de ellos una nueva dimensión desde la cual, analiza la importancia del espacio urbano proponiendo la necesidad de una identificación del individuo con el área por el cual transita constantemente, algo que no se logra por completo en el día a día, y es esa misma falta de identidad (consecuencia de la diversidad cultural, social y étnica predominante en los habitantes de nuestra capital) lo que convierte a la Lima urbana en un espacio invadido por individuos heterogéneos entre sí, quienes ignoran el real valor del contexto compartido cotidianamente durante su efímero recorrido y alejan toda intención socializadora. Un interesante discurso de cariz antropológico, que guarda coherencia con su propuesta técnica audiovisual.

Antes de finalizar esta publicación, les hago llegar las más sinceras felicitaciones a los artistas y curadores antes mencionados y los mejores deseos de un artísticamente productivo año venidero a todos los artistas peruanos y para los seguidores de este magazine virtual, un felíz y exitoso 2017.



 ACERCA DE ROSA MARÍA  VARGAS:
                                                                        
Rosa María Vargas R. (Lima-Perú, 1974). Crítica e Historiadora de Arte, Curadora independiente, Docente Universitaria y Gestora Cultural. Con estudios de Maestría en Historia del Arte Peruano y Latinoamericano(postgrado de Letras y Ciencias Humanas) en la Universidad Nacional Mayor de San Marcos de Lima, Perú; Licenciada en Historia (Facultad de Humanidades) en la Universidad Nacional Federico Villarreal de Lima, Perú; Posee un Diplomado en Museología y Gestión de Museos en la Universidad Nacional de Trujillo(Perú); Diploma de Gestión Cultural otorgado por el Museo Metropolitano de Lima /  Municipio de Lima, con estudios de Pintura en los talleres de la Escuela Nacional Autónoma de Bellas Artes del Perú, y Dedicada a la investigación de historia del Arte Peruano siglos XIX , XX y Contemporáneo. Actualmente ejerce la docencia en la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú y la crítica de arte en su blog https://rosamariavargashistoriadoradelarte.blogspot.pe

domingo, 4 de diciembre de 2016

UN BREVE COMENTARIO ACERCA DE LA MUESTRA ANTOLÓGICA POR LOS 100 AÑOS DE CRISTINA GALVEZ EN LA SALA LUIS MIRÓ QUESADA GARLAND.


El pasado Jueves 01 de Diciembre del 2016, en la sala Luis Miró Quesada Garland de la municipalidad de Miraflores en la ciudad de Lima, Perú;  se llevó a cabo la inauguración de la muestra antológica que conmemora los 100 años del natalicio de la recordada y destacada escultora, además de docente de Dibujo, Cristina Galvez.  La exposición consta de una serie de dibujos, litografías y esculturas de la reconocida artista los cuales dejan patente la calidad de su técnica e importante trayectoria. La acertada dirección de esta muestra estuvo a cargo de Jimena Mora.

CRISTINA GALVEZ (Lima-Perú, 1916-1982) Artista plástica formada en Escultura  y dibujo, cuya formación Europea (entre Francia y Bélgica) con maestros de la talla de Mauride, Van der Stecken, André Lhote y Margueritte Lavrillier entre otros, fueron decisivos en su desarrollo artístico. De regreso al Perú estudia por un tiempo breve en la Escuela Nacional de Bellas Artes (1936-1938) y  además, en 1939 formó parte de aquel movimiento artístico peruano denominado “Los independientes” al lado de Ricardo Grau, Macedonio de la Torre, Sérvulo Gutiérrez y Juan Manuel Ugarte Elespuru.  Posteriormente, en 1952, cursó estudios de arte en The Art Students League of New York  y así mismo obtuvo la  beca Rockefeller.

Años más tarde, y ya como una consumada escultora, en la década de los setentas impartirá clases de dibujo en su Casa-taller en el distrito de Miraflores, en Lima.  Entre quienes fueron sus alumnos destacan: Sonia Prager, Margarita Checa, Bruno Zepilli Gino Ceccarelli, Charo Noriega, Armando Williams, Rhony Alhalel, entre otros.

En esta bien lograda exposición antológica, observamos algunas piezas escultóricas, dibujos y  litografías de una de sus series más destacadas: “tablero de ajedrez” y en dichas técnicas se puede apreciar la influencia del dibujo tradicional europeo que nos remite a artistas como “El Bosco”, por ejemplo; además de advertir una recurrente estética de lo grotesco de sus estilizados, e híbridos personajes  enmarcados dentro de una atmósfera violenta y surrealista de sus litografías, mientras que en sus dibujos y escultura los dota de una fuerte carga emotiva y características andróginas; y el común denominador de toda su obra radica en la precisión de la línea, aún cuando ésta es suelta, la misma denota el resultado de su habilidad y por supuesto: de su formación académica; en suma,  rasgos que han venido caracterizando la producción de la artista a través del tiempo. Y si agregamos a lo antes mencionado, su legado en la metodología en la enseñanza artística, estamos ante la obra de un referente importante de la escultura moderna y del dibujo en el Perú del siglo XX. Una exposición que merece visitarse.


ROSA MARÍA VARGAS R.                                     
Historiadora, Crítica de arte y Curadora independiente.

Fotos y diseño: Rosa María Vargas R.

NOTA: La exposición estará abierta hasta el día 14 de Diciembre del 2016 en la Sala Luis Miró Quesada Garland: Av Jose Larco 450, Miraflores - Lima 18, Perú. 

domingo, 6 de noviembre de 2016

Unas breves líneas acerca de la exposición bi-personal ORIGINARSE, de las Artistas Ana Balcázar y Cristina Flores en la Galería del Centro Cultural CAFAE-SE en San Isidro.



El pasado día Viernes, 04 de Noviembre del 2016, se llevo a cabo en las Galerías 1 y 2 del Centro Cultural CAFAE-SE la exposición bi-personal ORIGINARSE, de las artistas Ana Balcázar y Cristina Flores, ambas egresadas de la Facultad de Arte y Diseño de la Pontifica Universidad Católica del Perú (PUCP), bajo la curaduría de esta humilde servidora, Rosa María Vargas R.  En dicha muestra, las artistas presentan una serie conformada por dibujos/ilustraciones en tinta sobre papel  y pintura al óleo / técnica mixta sobre lienzo, creando  texturas inspiradas en la naturaleza y en macro-micro universos que se mimetizan y de los cuales, surgen personajes y elementos que emergen de la introspección de ambas artistas. 


·         Ana Balcázar Bartra (Lima, 1984), Artista visual multidisciplinar con estudios en pintura y escultura en la Pontifica Universidad Católica del Perú. Entre sus últimas exposiciones destacan: (2016) “Rumiqolca: El despertar de una cantera” Ministerio de Cultura, Lima; “Salón de Pintura Peruana en California” Latino Art Museum, Pomona; “Ars Amandi 2016 Expo de Docentes”, Sala de Exposiciones de Toulouse Lautrec, Lima; “Aún Aquí”, Sala de exposiciones de Dédalo Arte y Artesanía, Lima.

·  Cristina Flores Pescorán (Lima, 1987). Artista visual multidisciplinaria y performer egresada de la especialidad de pintura en la Pontifica Universidad Católica del Perú, cuyo trabajo reflexiona a partir de la identidad. Entre las exposiciones que tiene en su  haber destacan: “Manos creadoras: Manos de Mujer. Galería Juan Pardo Heeren, ICPNA (2016); “Salón de Ilustración IMAGENPALABRA”, Sheraton Lima Hotel & Convention Center (2016);"II Festival de videoarte + performance + audiovisual" en Casa de la Literatura Peruana (2016); “XXV Premios de Derechos Humanos “Ángel Escobar Jurado”, Biblioteca  Nacional del Perú (2015).

Quien escribe, por una cuestión de ética profesional, se abstendrá de comentar esta exposición, pero; en su lugar reproducirá el texto curatorial completo que realizó para la misma (en la nota de prensa y en el folleto del evento por razones de espacio aparece solo un breve extracto); pero antes, en nombre de las artistas y el mío propio debo agradecer al Director del Centro Cultural CAFAE-SE, Sr. Luis Gustavo Gonzales Olivos y a su equipo, por el apoyo y facilidades brindadas durante todo el proceso de preparación y realización de esta exposición; Así mismo, nuestro agradecimiento a la periodista Rosana López Cubas del Magazine "Lima en Escena", a JC magazine, a Golpetierra y al Conductor Carlos Fernández Loayza, por la difusión de esta muestra; a Vicky Ávalos Carrillo de la Facultad de Arte y Diseño de la Pontificia Universidad Católica del Perú por las gestiones, difusión del evento y por confiar en mi trabajo curatorial tanto Cicky como a las artistas Ana Balcázar y Cristina Flores. Por último, mi agradecimiento a los asistentes en la fecha inaugural. Del mismo modo, quedan cordialmente invitados a la visita guiada programada para el día viernes 11 de Noviembre (mayor información en la página de Facebook del evento:  https://www.facebook.com/events/241544722915466/ ).     

        Texto de la curadora:

Desentrañar el principio de las cosas ha sido una constante desde tiempos ancestrales. Partiendo de  la cosmovisión de hombres y mujeres de antiguas civilizaciones, el origen de todo lo existente en el universo emanaba de ambas dimensiones: la naturaleza y el cosmos bajo el influjo de un ser o divinidad superior. Desde aquellos milenarios astrónomos, hasta los posteriores teóricos académicos del origen y evolución de la vida tal como lo hiciera en el siglo XIX Charles Darwin (Reino Unido, 1809) quien publicó El origen de las especies (1859); y en el siglo XX, Stephen Hawking (Reino Unido, 1942) con su planteamiento en torno al nacimiento del universo en su libro Historia del tiempo: del ''Big bang'' a los agujeros negros (1988); cada uno de Ellos, desde su perspectiva, han sustentado múltiples hipótesis acerca  del “Génesis” de la vida humana y del espacio.

Es así como Ana Balcázar y Cristina Flores construyen en esta propuesta una concepción introspectiva del origen recurriendo al discurso visual bajo distintos soportes: C. Flores, mediante el dibujo, “humaniza” a la naturaleza y la representa como pequeños cuerpos que se manifiestan latentes por germinar y buscar su propia identidad; así mismo, le  imprime a sus protagonistas un cierto cariz lúdico; en tanto que, la producción pictórica de A. Balcázar idealiza al cosmos, la galaxia y a las fuerzas de la naturaleza transportándonos a una dimensión etérea, de un sutil misticismo y misterio apelando a una diversidad cromática (como medio de lenguaje) rebosante de armonías y de sutiles contrastes bajo su expresiva manera de aplicar el color.

En conclusión: ORIGINARSE es el resultado  de la unión de dos contextos paralelos bajo una misma concepción: la del origen de la vida, aunque ésta no está planteada desde su ya establecido proceso biológico (nacer, crecer, reproducirse y morir), sino todo lo contrario: es vida que emerge y fluye para luego trascender a través del tiempo y del espacio.

ROSA MARÍA VARGAS R.                        
Curadora De La Muestra                                                       

                                                                                         Lima, 04 de Noviembre del 2016


 



 





 

lunes, 24 de octubre de 2016

Un breve comentario acerca de la exposición MUJER X MUJER, IDENTIDAD O REPRESENTACIÓN, en la Galería de Arte "Sérvulo Gutierrez",en Jesús María.

El pasado día Jueves, 20 de Octubre del 2016, se llevó a cabo en la Galería de Arte "Sérvulo Gutierrez del distrito de Jesús María, Lima-Perú; la exposición: MUJER X MUJER, IDENTIDAD O REPRESENTACIÓN, el cual,  contó con la participación de artistas del Colectivo Artístico Femenino ARTEMISA y algunas artistas invitadas, entre ellas: MARITA PALOMINO, CLARA MERCEDES LIAU HING CASTILLO, ROSA YBONE TELLO PRADO, MARIELLA SARA KAMPOY SILVA, CONSUELO AMAT Y LEÓN, MILA RISPA, VICTORIA EGNEM MAJLUF, ZARELA MESARINA, SILVIA BUENO, ROSARIO ZEGARRA, TANIA YANQUE UGARTE, CECILIA DIAZ NEYRA, ALEJANDRINA CRUZ DONAYRE, BETTY SAAVEDRA, CRISTINA FLORES, CARMEN GRIS TELLO FUENTES Y MARIA LUISA TELLO FUENTES.

La artistas presentaron una serie de obras inspiradas en la mujer y su rol impuesto o con el cual se identifican e idealizan, tal como afirma una de las artistas de dicho colectivo, Marita Palomino: En esta muestra, vamos construyendo reflexiones inspiradas en interrogantes como las que siguen, provenientes del libro “Le Deuxième Sexe” (El Segundo Sexo) escrito por la filósofa Simone de Beauvoir.

La curaduría de la exposición estuvo a mi cargo y por dicho motivo, no considero ético  una autocrítica de mi parte, y por ende, me limitaré a compartir el texto curatorial que redacté especialmente para esta muestra: 

Mujer, término que más allá de las diferencias biológicas y sexuales, nos remitirá también a aquellas distinciones de género dentro de un orden social y cultural asociado a  una imposición de roles vinculados con nuestra función reproductora. A lo largo de la historia, las mujeres han estado confinadas a la más absoluta postergación dentro de los diversos ámbitos de la vida cotidiana y laboral, incluído el mundo del arte: tal es el caso de la escultora Camille Claudel (Francia,1864-1943), dueña de una gran habilidad escultórica y de un discurso transgresor, sin embargo, su trabajo siempre era atribuido a su mentor, el escultor Auguste Rodín(Francia, 1840-1917). Así mismo, el caso de la artista sueca Hilma Af Klint(Suecia 1862-1944), a quien recientemente(luego de 100 años)se le reconoce como la creadora de la abstracción y rompería con la figuración académica antes que Wassily Kandinsky (Rusia, 1866-Francia, 1944)  y  Piet Mondrián(Paises Bajos,1872-U.S.A.1944). Si  en dicho contexto decimonónico europeo el mundo de las artes  plásticas no hubiera estado dominado por hombres, otra habría sido la historia.

Desde entonces, ha sido una constante el definir cuál sería el verdadero rol de la mujer. Una pionera en este tema fué Simone de Beauvoir(Francia,1908-1986), quien en 1949 publicó una serie de ensayos y manifiestos entre los cuales destacaría “El segundo sexo”( “Le Deuxième Sexe”),  en el cual abordaría el  análisis del papel de las mujeres en la sociedad y posteriormente , sentaría las bases para el movimiento feminista.

Inspiradas en la obra de Beauvoir  y  manifestándose a través de  las diversas técnicas y referentes pictóricos que poseen, las artistas del colectivo artístico ARTEMISA buscan  plasmar en esta muestra diversos aspectos del complejo mundo femenino: Como se identifica en su propio entorno real o como se representa  idealizada, buscando su “niña” interior  dentro de una atmósfera lúdica;  contextualizada históricamente o apelando a la síntesis de elementos de la imagen para construir su  propio imaginario femenino.

ROSA MARÍA VARGAS R.           
HISTORIADORA, CRÍTICA DE ARTE Y CURADORA INDEPENDIENTE
CURADORA DE LA MUESTRA
                                                                                  
                                                                                                  Lima, 20 de Octubre del 2016


NOTA: La muestra estará abierta hasta el día 29 de Octubre de; 2016 en la Galería de arte SERVULO GUTIERREZ, de la Municipalidad de Jesús María. Dirección: Av. Horacio Urteaga 535, Jesús María.

jueves, 20 de octubre de 2016

Un breve comentario en torno a la donación de parte de la colección de arte latinoamericano de Patricia Phelps de Cisneros al Museo de Arte Moderno de New York (moMA)


El pasado día lunes, 17 de octubre del 2016, se llevó a cabo en la ciudad de Lima, Perú, la presentación por parte de  los ejecutivos de Llorente & cuenca, firma que trabaja desde hace años con Cisneros Media, quienes además de tener presencia en el mercado hispano de las telecomunicaciones, también poseen una vasta colección de arte latinoamericano. En una de las salas de la firma se realizó una transmisión en tiempo real con el moMA de New York, para presenciar el importante anuncio de un hecho sin precedentes en la historia del arte latinoamericano: la donación de obras de arte por parte Patricia Phelps de Cisneros (CPPC), la cual consta de 150 obras,  al museo de arte moderno de New York (moMA), así mismo anunciaron la creación del "Instituto de investigación Patricia Phelps de Cisneros (Instituto Cisneros) para el arte latinoamericano". Tan importante acto tiene como objetivo posicionar y difundir el arte latinoamericano en Estados Unidos y en todo el mundo; y darles una mayor proyección a los artistas de la región latinoamericana.

Patricia Phelps de Cisneros (Caracas-Venezuela, 1952). Coleccionista y Promotora de las artes, esposa de Gustavo Cisneros (Caracas-Venezuela, 1945) quien, tras contraer matrimonio con éste en el año 1970, comienza a  apreciar el arte de Latinoamérica, el que descubriría en los frecuentes viajes de negocios que realizaran juntos por algunos países de Sudamérica y en los cuales se dedicaría a visitar talleres de artistas y exposiciones. No obstante, su interés inicial por el arte latinoamericano se daría desde muy joven, al observar el crecimiento urbanístico y por ende, el desarrollo arquitectónico de la Caracas de aquellos días: de estilo moderno, sofisticado y cosmopolita, que sería el punto de partida para su ávida búsqueda artística, y tal como afirma la propia Patricia Phelps, aquella tendencia estética le formó su “ojo””. Es así como, en la década de los 70, desarrollaría su gusto por el arte abstracto (tendencia explorada recurrentemente en la Venezuela de aquellos días y paralelamente en otros países de Sudamérica), desde entonces, Phelps ha venido incrementado su colección a lo largo de 46 años y dichas obras las ha venido cediendo a exposiciones temporales de museos en varias ocasiones, con la finalidad de dar a conocer en el mundo el arte de Latinoamérica, la mismas que ahora forman parte de la colección de arte latinoamericano del moMA. Esta importante donación incluye 102 pinturas, esculturas y obras en papel, realizadas entre los años 1940 y 1990 por 37 artistas provenientes de Argentina, Brasil, Uruguay y Venezuela, entre los que se encuentran Carlos Cruz-Diez, pionero del Op-Art (1923), Lygia Clark (Brasil 1920-1988), Joaquín Torres-García (Uruguay, 1874- 1949), Hélio Oiticica (Brasil, 1937-1980);  Lygia Pape(Brasil,1927-2004), Jesús Rafael Soto (Venezuela, 1923-2005), Alejandro Otero (Venezuela, 1921-1990),  entre otros. Dichas obras se unirán a las 40 piezas donadas al MoMA por Patricia y Gustavo Cisneros, durante los últimos 16 años. Del mismo modo, han venido promoviendo la edición de publicaciones donde se destaca la vida y obra de diversos artistas latinoamericanos en su afán por promover el arte de esta parte del continente.

Iniciativas como la de la Sra. Patricia Phelps de Cisneros, son un loable esfuerzo (que debería imitarse por parte de otros coleccionistas) tanto en la difusión y proyección del arte y los artistas latinoamericanos de manera global,  especialmente en USA, y específicamente en New York, uno de los polos artísticos más importantes del mundo en la actualidad y en donde se evidencia la escasa presencia del arte latinoamericano(sus museos son visitados por gente de diversos países del orbe cada año y en el caso del moMA, éste recibe a  3.1 millones de visitantes por año, de los cuales la tercera parte son latinoamericanos). Gracias a esta donación y a la creación del "Instituto de investigación Patricia Phelps de Cisneros para el arte latinoamericano" se abrirá un nuevo acceso que dará un gran impulso a la investigación del arte latinoamericano en todas sus disciplinas  y además, en un futuro no muy lejano, la obra de los artistas latinoamericanos tenga un mayor reconocimiento, aceptación, mayor demanda en el mercado y por supuesto, tenga su justo y merecido lugar (después de haber sido relegado por tanto tiempo) dentro de la historia del arte universal.

ROSA MARÍA VARGAS R.
Historiadora, Crítica De Arte Y Curadora Independiente


Fotografías y diseño: ROSA MARÍA VARGAS R.

domingo, 9 de octubre de 2016

ALGUNAS IMPRESIONES ACERCA DE LA CEREMONIA DE CONDECORACIÓN A LA DENOMINADA"PROMOCIÓN DE ORO", DE LA ESCUELA NACIONAL SUPERIOR AUTÓNOMA DE BELLAS ARTES DEL PERÚ.



El pasado, 28 de setiembre del 2016, fecha que conmemora el 98º aniversario de la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú(ENSABAP), se llevó a cabo la condecoración con la Medalla de Honor “Daniel Hernández”; máximo galardón que otorga la escuela, por su importante aporte al arte peruano, a destacados artistas  bellasartinos  e integrantes de la recordada “promoción de Oro”, conformada por: Enrique Galdós Rivas(Lima-Perú,1933), Gerardo Chávez(La Libertad-Perú, 1937), Tilsa Tsuchiya(Lima-Perú,1928-1984), Alberto Quintanilla(Cuzco-Perú,1934),Oswaldo Sagástegui(Huánuco-Perú,1936), Alfredo González Basurco(Arequipa-Perú,1927- Italia,1999), Milner Cajahuaringa(Lima,1932);  y al maestro en educación artística y pionero en nuestro medio de la metodología para la enseñanza de arte a nivel escolar, Juan Villacorta Paredes(La Libertad-Perú, 1929), egresado de ENSABAP en la especialidad de Educación artística en el año 1954 y a quien muchos(incluyendo a quien escribe estas líneas)le debemos nuestro primer contacto con las diversas técnicas artísticas y la historia del arte peruano. La medalla fue impuesta a cada uno de los antes mencionados, por el Director General de la ENSABAP, Carlos Valdez Espinoza. Así mismo, contó con la presencia del Director General de Educación Técnico-Productiva y Superior Tecnológica y Artística del Ministerio de Educación, Miguel Calderón, de docentes, administrativos, estudiantes y representantes de algunos artistas condecorados, ausentes en esta ceremonia.

“PROMOCIÓN DE ORO ENSABAP”(Lima-Perú, 1959).
Esta denominación, que ha quedado grabada en la memoria de los bellasartinos y en la historia del arte peruano. Fue adjudicada a la promoción integrada por los artistas: Enrique Galdós Rivas, Gerardo Chávez, Tilsa Tsuchiya, Alberto Quintanilla, Oswaldo Sagástegui, Alfredo Gonzáles Basurco y Milner Cajahuaringa; siendo éste, un acto inédito e histórico para la ENSABAP: que un jurado otorgara 8 medallas de oro a una misma promoción, siendo el director en aquel entonces, Juan Manuel Ugarte Eléspuru(Lima-Perú ,1911-2004); quien tuviera un relativo éxito como artista, no obstante, su mayor mérito fue ser un reconocido investigador de arte, gestor y a decir de muchos: uno de los mejores directores que haya tenido dicha casa de estudios. Ugarte Eléspuru difundió el trabajo artístico de los jóvenes artistas egresados de la escuela, tanto en nuestro país como en el exterior, proponiéndolos como representantes de nuestro arte en bienales y concursos al lado de artistas de larga trayectoria; acertada decisión que impulsó las carreras de aquellas nuevas generaciones de artistas y docentes de arte que egresaron bajo su dirección, y algunos de ellos, dentro del marco de las celebraciones por el 98 aniversario de la ENSABAP recibieron tan merecido homenaje.

Ha sido muy emotivo observar reunidos a estos artistas y maestros de larga y celebrada trayectoria recibiendo la máxima distinción de la escuela, aunque mención aparte merece la recordada Tilsa Tsuchiya, a la que el cáncer nos la arrebatara de este mundo en el año 1984. En representación de su madre recibieron la póstuma distinción (medalla y diploma) los hijos de la fallecida pintora: Orlando Cornejo Tsuchiya y Gilles Mercier Tsuchiya. En un momento de la premiación, el actual director de ENSABAP anunció que, además de la imposición de tan honroso galardón, se bautizará a la sala de exposiciones del Centro Cultural de la ENSABAP con su nombre; hecho que honrará aún más la memoria de tan  ilustre artista peruana.

Tampoco se puede dejar de mencionar la participación, como intermedio musical, de los músicos Ademir Herbozo López y Jorge Puma Abarca, profesores de la especialidad de saxofón del Conservatorio Nacional de Música, quienes hicieron gala de gran dominio en la ejecución de tal instrumento con una pieza de música clásica. Aunque no se puede negar que nos quedamos “con la miel en los labios” esperando, tal vez, a que ejecutaran como última pieza algún Huaylas u otro ritmo originario de nuestra música del ande en la cual se emplee el mencionado instrumento y que le hubiera dado un toque de identidad nacional al evento. Aún así, la interpretación de dicho dúo musical fue magistral (especialmente para quienes también somos amantes del género clásico).

En general, reconocimientos de este tipo son importantes porque son un merecido homenaje en vida(como debe ser)a renombradas figuras que han aportado con su talento y dedicación al arte peruano. Así mismo, es positivo el que se continúe promoviendo la difusión del trabajo artístico de los estudiantes y artistas egresados confiriéndoles una mayor proyección dentro y fuera de nuestro país, algo que progresivamente viene haciendo la escuela el día de hoy y que podemos apreciarlo a través de su página web. Quien escribe, ha venido afirmando durante el tiempo de creado este blog (cinco años), mucho antes de su reciente incorporación como docente de ENSABAP(y sin ánimo de desmerecer el talento proveniente de otros institutos o escuelas de arte en el Perú) que, la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú desde su creación en 1918, ha sido y seguirá siendo una cantera de eximios artistas, siendo un pilar importante de la historia del arte peruano del siglo XX, cuya contribución a la misma, esperamos se prolongue durante el presente siglo XXI y los venideros.

ROSA MARÍA VARGAS R.
HISTORIADORA, CRÍTICA DE ARTE Y CURADORA INDEPENDIENTE.


FOTOGRAFÍAS Y DISEÑO: ROSA MARÍA VARGAS R.

jueves, 8 de septiembre de 2016

UN BREVE COMENTARIO ACERCA DE LA EXPOSICIÓN: "VIGILAR Y CASTIGAR, FOTOGRAFIAS PENITENCIARIAS DEL SIGLO XIX", DE A,A & A GALLERY EN CASA FUGÁZ- CALLAO MONUMENTAL.


El pasado 13 de Agosto  del 2016, se inauguró la exposición VIGILAR Y CASTIGAR, FOTOGRAFIAS PENITENCIARIAS DEL SIGLO XIX, en  A,A & A  GALLERY , ubicado en la primera planta del antiguo y ahora remodelado Edificio Ronald, espacio que alberga galerías de arte bajo el nombre de CASA FUGÁZ, en el Callao monumental.  La muestra ha sido dirigida por Sophía Durand en co-curaduría con Sonia Cunliffe, quienes han investigado acerca de la fotografía como parte importante de la organización documental de la otrora Penitenciaria de Lima (Panoptico), construida tras abolirse la pena de muerte, entre 1856 y 1860, por disposición del Presidente del Perú, Don Ramón Castilla,  dando inicio a un sistema carcelario del cual el Perú carecía por aquel entonces.  

Sophía Durand, co-curadora de la muestra.
 La exposición VIGILAR Y CASTIGAR, FOTOGRAFIAS PENITENCIARIAS DEL SIGLO XIX establece, entre otros aspectos, que la fotografía ha sido permanentemente un instrumento de control y orden por parte del estado y actualmente tiene el mismo propósito (y lo seguirá teniendo, ya sea apelando a la fotografía u otros medios tecnológicos).  Así mismo, nos demuestra que el Perú del siglo XIX no fue ajeno a ese medio de control a través de la fotografía o Daguerrotipo, nombre con el que se le denominaba por aquel entonces en honor a su creador: el Francés Louis Jacques Mandé Daguerre; y desde la llegada del invento de Daguerre al Perú en 1842(traído por el fotógrafo Maximiliano Danti) se consideró una herramienta tecnológica que tuvo un propósito comercial, dando lugar así a los primeros estudios fotográficos itinerantes y estables que realizaban fotografía artística para una clientela con un mero afán por perennizar un acontecimiento familiar o por la necesidad de identificarse o ser reconocido mediante el económico formato fotográfico de la “tarjeta de visita”, aunque las dimensiones del formato fotográfico empleadas por el sistema penitenciario de aquel entonces era reducida en comparación con el formato de la tarjeta de visita.

Partiendo de la investigación documental, las curadoras recurren a los registros gráficos como fuentes de información y en especial a la fotografía vista, incluso, más allá de la perspectiva del arte: como un soporte documental o documento de registro, recreando a través de ella(la fotografía) el contexto, permitiendo además, que el observador desde su propia percepción identifique y analice los rasgos psicológicos y /o los sentimientos encontrados a través de cada expresión facial o lenguaje corporal de los protagonistas, que han sido reproducidos a fidelidad por la cámara; o tal como manifiesta una de las curadoras de esta exposición, Sophía Durand: “…Contemplar cada una de estas piezas nos coloca en el lugar del fotógrafo-verdugo, confrontando la mirada del condenado, su lenguaje corporal y la frialdad del número que le asigna el sistema. Son rostros que evidencian la dureza del temperamento, el descaro risueño o el terror de una inocencia imposible de comprobar…”.  

En síntesis, esta exposición demostraría que nuestro incipiente sistema carcelario del siglo XIX adolecía desde sus inicios de una deficiente organización y en especial, en lo relacionado a los documentos de gestión administrativa durante las últimas cuatro décadas del decimonónico, y de cómo gracias a la investigación basada en este pequeño fondo documental recopilado (el cual consta de 52 documentos originales), bien sería el punto de partida para reconstruir un período de la historia penitenciaria en el Perú y al mismo tiempo(bajo la perspectiva del arte) nos permitiría abordar la parte técnica(como el empleo de insumos empleados en fotografía durante el siglo XIX en el Perú , por ejemplo) y aspectos del lenguaje gráfico-formal(composición, luz, color, etc. etc.) incluyendo así a la “fotografía penitenciaria” como un género fotográfico como un referente más para las investigaciones realizadas en torno a la historia y evolución de la fotografía en el Perú.  

Un excelente trabajo Curatorial y de investigación, donde se aprecia la coherencia existente  entre una bien fundamentada justificación y los registros gráficos presentados.  Una muestra digna de visitarse  y de paso (para quienes no conozcan el lugar) será una buena oportunidad de recorrer las diversas galerías que alberga el antiguo edificio Ronald y en sus alrededores, en el área conocida como: “Callao Monumental”, zona  recientemente puesta en valor, gracias a la loable  iniciativa de gestores, curadores, galeristas y artistas en un afán por descentralizar y ampliar el circuito galerístico de Lima, prolongándolo hacia nuestra provincia constitucional del callao. 

ROSA MARÍA VARGAS R.
Historiadora, Crítica de arte y Curadora Independiente.

Fotografías y diseño: Rosa María Vargas R.

NOTA: Debido a la gran acogida que viene teniendo la muestra, ésta continuará abierta al público hasta el Domingo 2 de Octubre del 2016, en el siguiente horario: de martes a domingo de 11:00 a.m. a 16:00 p.m.. Dirección: A A & A Gallery, Calle Constitución 250, Callao Monumental, Provincia Constitucional del Callao, Lima -Perú.