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jueves, 8 de septiembre de 2016

UN BREVE COMENTARIO ACERCA DE LA EXPOSICIÓN: "VIGILAR Y CASTIGAR, FOTOGRAFIAS PENITENCIARIAS DEL SIGLO XIX", DE A,A & A GALLERY EN CASA FUGÁZ- CALLAO MONUMENTAL.


El pasado 13 de Agosto  del 2016, se inauguró la exposición VIGILAR Y CASTIGAR, FOTOGRAFIAS PENITENCIARIAS DEL SIGLO XIX, en  A,A & A  GALLERY , ubicado en la primera planta del antiguo y ahora remodelado Edificio Ronald, espacio que alberga galerías de arte bajo el nombre de CASA FUGÁZ, en el Callao monumental.  La muestra ha sido dirigida por Sophía Durand en co-curaduría con Sonia Cunliffe, quienes han investigado acerca de la fotografía como parte importante de la organización documental de la otrora Penitenciaria de Lima (Panoptico), construida tras abolirse la pena de muerte, entre 1856 y 1860, por disposición del Presidente del Perú, Don Ramón Castilla,  dando inicio a un sistema carcelario del cual el Perú carecía por aquel entonces.  

Sophía Durand, co-curadora de la muestra.
 La exposición VIGILAR Y CASTIGAR, FOTOGRAFIAS PENITENCIARIAS DEL SIGLO XIX establece, entre otros aspectos, que la fotografía ha sido permanentemente un instrumento de control y orden por parte del estado y actualmente tiene el mismo propósito (y lo seguirá teniendo, ya sea apelando a la fotografía u otros medios tecnológicos).  Así mismo, nos demuestra que el Perú del siglo XIX no fue ajeno a ese medio de control a través de la fotografía o Daguerrotipo, nombre con el que se le denominaba por aquel entonces en honor a su creador: el Francés Louis Jacques Mandé Daguerre; y desde la llegada del invento de Daguerre al Perú en 1842(traído por el fotógrafo Maximiliano Danti) se consideró una herramienta tecnológica que tuvo un propósito comercial, dando lugar así a los primeros estudios fotográficos itinerantes y estables que realizaban fotografía artística para una clientela con un mero afán por perennizar un acontecimiento familiar o por la necesidad de identificarse o ser reconocido mediante el económico formato fotográfico de la “tarjeta de visita”, aunque las dimensiones del formato fotográfico empleadas por el sistema penitenciario de aquel entonces era reducida en comparación con el formato de la tarjeta de visita.

Partiendo de la investigación documental, las curadoras recurren a los registros gráficos como fuentes de información y en especial a la fotografía vista, incluso, más allá de la perspectiva del arte: como un soporte documental o documento de registro, recreando a través de ella(la fotografía) el contexto, permitiendo además, que el observador desde su propia percepción identifique y analice los rasgos psicológicos y /o los sentimientos encontrados a través de cada expresión facial o lenguaje corporal de los protagonistas, que han sido reproducidos a fidelidad por la cámara; o tal como manifiesta una de las curadoras de esta exposición, Sophía Durand: “…Contemplar cada una de estas piezas nos coloca en el lugar del fotógrafo-verdugo, confrontando la mirada del condenado, su lenguaje corporal y la frialdad del número que le asigna el sistema. Son rostros que evidencian la dureza del temperamento, el descaro risueño o el terror de una inocencia imposible de comprobar…”.  

En síntesis, esta exposición demostraría que nuestro incipiente sistema carcelario del siglo XIX adolecía desde sus inicios de una deficiente organización y en especial, en lo relacionado a los documentos de gestión administrativa durante las últimas cuatro décadas del decimonónico, y de cómo gracias a la investigación basada en este pequeño fondo documental recopilado (el cual consta de 52 documentos originales), bien sería el punto de partida para reconstruir un período de la historia penitenciaria en el Perú y al mismo tiempo(bajo la perspectiva del arte) nos permitiría abordar la parte técnica(como el empleo de insumos empleados en fotografía durante el siglo XIX en el Perú , por ejemplo) y aspectos del lenguaje gráfico-formal(composición, luz, color, etc. etc.) incluyendo así a la “fotografía penitenciaria” como un género fotográfico como un referente más para las investigaciones realizadas en torno a la historia y evolución de la fotografía en el Perú.  

Un excelente trabajo Curatorial y de investigación, donde se aprecia la coherencia existente  entre una bien fundamentada justificación y los registros gráficos presentados.  Una muestra digna de visitarse  y de paso (para quienes no conozcan el lugar) será una buena oportunidad de recorrer las diversas galerías que alberga el antiguo edificio Ronald y en sus alrededores, en el área conocida como: “Callao Monumental”, zona  recientemente puesta en valor, gracias a la loable  iniciativa de gestores, curadores, galeristas y artistas en un afán por descentralizar y ampliar el circuito galerístico de Lima, prolongándolo hacia nuestra provincia constitucional del callao. 

ROSA MARÍA VARGAS R.
Historiadora, Crítica de arte y Curadora Independiente.

Fotografías y diseño: Rosa María Vargas R.

NOTA: Debido a la gran acogida que viene teniendo la muestra, ésta continuará abierta al público hasta el Domingo 2 de Octubre del 2016, en el siguiente horario: de martes a domingo de 11:00 a.m. a 16:00 p.m.. Dirección: A A & A Gallery, Calle Constitución 250, Callao Monumental, Provincia Constitucional del Callao, Lima -Perú.

martes, 6 de septiembre de 2016

Un breve comentario acerca de la exposición RAYOS-X, RADIOGRAFÍA DE UNA CIUDAD, del artista Alberto Conrado en la galería RYOICHI JINNAI del Centro Cultural Peruano Japonés.


El 18 de agosto del 2016, se inauguró la exposición RAYOS-X, RADIOGRAFÍA DE UNA CIUDAD, del artista Alberto Conrado en la galería RYOICHI JINNAI del Centro Cultural Peruano Japonés. En dicha muestra se exhibe una serie de doce pinturas en óleo sobre lienzo y técnica mixta, de pequeño y mediano formato.

ALBERTO CONRADO
(Lima-Perú, 1964)
Artista visual egresado de la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú(ENSABAP) en la especialidad de Pintura además, egresado del  Instituto Superior Tecnológico María Rosario Araoz Pinto en la especialidad de Diseño Publicitario. Posee también estudios de  maestría en Gestión Cultural y Patrimonio de la Universidad San Martín de Porres y una Licenciatura en Administración de Empresas en la universidad Nacional Enrique Guzmán y Valle. También es socio fundador y actual vicepresidente de la asociación de egresados de la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes (AENBA).  Tiene en su haber cuatro exposiciones individuales y ha venido participando en diversas exposiciones colectivas.

RAYOS-X, RADIOGRAFÍA DE UNA CIUDAD,  tiene como tema principal a la contemporánea, urbana e informal Lima, siendo ésta representada  a través de la palabra escrita, imágenes y la intensidad del color. La  diversidad  cromática de su paleta y la aplicación de la misma nos remite al trabajo de Jasper Johns(Georgia-U.S.A., 1930), cuyo trabajo artístico es conocido por sus vibrantes contrastes, tal vez inspiradas en la psicodelia de los 60’s y en el Pop-art de un contemporáneo suyo: Andy Wharhol(U.S.A., 1928-1987).  Sin embargo, Conrado hace referencia a los letreros de los establecimientos comerciales y carteles de las marquesinas del centro de Lima en la década de los ochentas(actualmente se ven con mayor frecuencia en los distritos periféricos de Lima), que identificarán  a  eventos musicales de ritmos del ande como el huayno  y al fenómeno musical que alcanzó su mayor apogeo y consolidación en la Lima de inicios de los ochentas: La música tropical-andina; fusión rítmica de raíces andinas, la cumbia tropical que serán estilizados a través de instrumentos modernos como la guitarra eléctrica y el sintetizador, dando origen a lo que más tarde se denominaría como música “chicha”, término empleado desde entonces para denominar a esta nueva forma de  “sincretismo cultural ” donde  los inmigrantes del interior del Perú residentes en  la zona urbana de Lima quienes  progresivamente  irán sustituyendo sus propias prácticas culturales en su nuevo entorno cotidiano, que en la gráfica se traducirá en una nueva forma estética que desde hace un tiempo se ha convertido en objeto de estudio por antropólogos , sociólogos y más recientemente,  por artistas e historiadores del arte.

Alberto Conrado, al igual que  Jasper  Johns,  superpone  tipografía, colores, símbolos e imágenes icónicas de forma secuencial y/o divergente (y es previsible pues –coincidentemente- ambos poseen formación como diseñadores publicitarios).  Del mismo modo, el artista (Conrado) recurre  a la apropiación de la imagen icónica (determinado por el propio contexto geográfico, socio-cultural, político, etc.) y del imaginario popular religioso y musical, como la imagen del recordado cantante “chichero” Chacalón y de la beata(no reconocida por la Iglesia)Sarita Colonia, solo por citar algunas obras.

En su trabajo, el artista sintetiza la imagen, la palabra escrita y el contexto: letreros de tonos neón con mensajes o nombres  sugerentes  que aluden a  espacios  comunes ubicados dentro de una determinada área de la capital,  apelando a  la memoria visual  en un ámbito netamente popular, asociando establecimientos, y espacios que quizás puedan diferir entre sí por su propósito original; como en uno de sus lienzos en los cuales se observa el nombre de un “Chifa” (restaurante de comida china), la sugestiva frase “I love” junto al nombre y tarifas de un hostal-dispuestos dentro de la composición de la obra- Alberto Conrado las contextualiza dándoles una connotación distinta mediante la relación de causa–efecto, como por ejemplo: una comida en un “Chifa” que luego devendrá en un encuentro sexual (asociación lúdica que incluso forma parte del lenguaje popular peruano).

En conclusión: el artista construye su más reciente propuesta  abordando  el  imaginario popular cotidiano, empleando para ello el lenguaje visual, con frases resultantes que nos vienen a la mente por asociación,  sumado a su acertada  aplicación del color,  es sin duda  - a diferencia de su anteriores propuestas- su producción pictórica mejor lograda,  por la coherencia entre el discurso y la acertada técnica.

ROSA MARÍA VARGAS R.
Historiadora, Crítica de arte y Curadora independiente.


NOTA:  Esta exposición continuará abierta al público hasta el día 10 de Septiembre del 2016, en la galería RYOICHI JINNAI del Centro Cultural Peruano-Japonés, dentro del siguiente horario: de Lunes a Viernes de 10:00 a.m. a 8:00 p.m. y Sábados de 10:00 a.m. a 1:00 p.m.

sábado, 27 de agosto de 2016

UNAS APRECIACIONES ACERCA DE LAS EXPOSICIONES "TRÁNSITO ANÓNIMO", DE LA ARTISTA ROSA MARÍA VALLE (ROMAVALL) Y LA MUESTRA COLECTIVA "MANOS CREADORAS:MANOS DE MUJER", EN LA GALERÍA JUAN PARDO HEEREN DEL ICPNA DE LIMA.


El pasado 04 de Agosto del 2016, se inauguraron en la galería “Juan Pardo Heeren”,  del  Instituto Cultural Peruano-Norteamericano (ICPNA) de Lima, dos exposiciones artísticas: TRÁNSITO ANÓNIMO, de la artista Rosa María Valle (ROMAVALL) y la exposición colectiva MANOS CREADORAS: MANOS  DE MUJER, donde el denominador común era el género, siendo absolutamente femenina la relación de artistas participantes en ambas exhibiciones.

ROSA MARÍA VALLE (Lima-Perú, 1991) Artista visual egresada de la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú. Obtuvo la Medalla de Oro otorgada por Ensabap como alumna destacada de su promoción, en la especialidad de Pintura (2015) y en el presente año 2016 obtiene el Premio ICPNA Audiovisuales, con el Proyecto Tránsito Anónimo.

En TRÁNSITO ANÓNIMO la artista construye su propio lenguaje visual empleando como medio las instalación audiovisual, alternando secuencias de escenas con imágenes icónicas yuxtapuestas (recurriendo a la edición de imágenes a través de la extensión digital conocida como gif).  Por otro lado, otras imágenes se aprecian en contraposición pero bajo el principio de  reflexión (como si fuesen reflejadas en un espejo), superposición de imágenes compuestos por signos indéxicos (que nos indican acciones que van a suceder o que han sucedido) y,  algunos simbolismos que complementan al discurso de la artista y es, a través de la imagen en movimiento, con la cual denota y acentúa la importancia del espacio temporal ante el frecuente desorden cotidiano del tránsito peatonal y vehicular dentro del contexto-por demás caótico- del  Centro de  Lima.

Sumando todos los elementos antes mencionados, la artista construye a partir de ellos una nueva dimensión desde la cual, analiza la importancia del espacio urbano proponiendo la necesidad de una identificación del individuo con el área por el cual transita constantemente, algo que no se logra por completo en el día a día, y es esa misma falta de identidad (consecuencia de la diversidad cultural, social y étnica predominante en los habitantes de nuestra capital) lo que convierte a la Lima urbana en un espacio invadido por individuos heterogéneos entre sí, quienes ignoran el real valor del contexto compartido cotidianamente durante su efímero recorrido y alejan toda intención socializadora. Un interesante mensaje visual de cariz antropológico, que guarda coherencia con la propuesta presentada por la artista y que sería bueno no perderse.

Con respecto a la muestra colectiva MANOS CREADORAS: MANOS  DE MUJER (bajo la curaduría de Cesar Ramos), se podría afirmar que ésta es una propuesta que aborda además del arte, el tema de género, integrando la técnica académica de destacadas artistas visuales del medio, tales como: Luz Letts y Lici Ramirez( solo por mencionar algunas), con el trabajo de las artistas tradicionales procedentes de diversas regiones del Perú; desde la perspectiva antropológica de su curador. El trabajo de los artistas regionales ha sido erróneamente denominado desde hace mucho tiempo (de forma peyorativa e inconsciente) como “artesanía” y,  por otro lado, en un intento de revalorar este arte en la década de los setentas, se le adjudicó la etiqueta de “arte popular”; términos que no le hacen justicia;  y por mucho que se piense que el trabajo de los artistas regionales posee una naturaleza empírica, es sin embargo, el resultado de un proceso de aprendizaje-a través de la enseñanza- el cual se ha venido transmitiendo de generación en generación y concebidos además, bajo sus propios cánones y ello se denota en la forma, el empleo del color(intenso y vibrante en la mayoría de piezas), las texturas de sus materiales, etc, etc. De ahí su particular sentido de la estética: rasgos que a través del tiempo han ido identificando el arte de los diversos grupos étnicos quienes han recibido el legado de  ancestrales civilizaciones durante el transcurso de su historia, y además, han venido empleando materiales e insumos producidos en su propia región y, que de algún modo , han sido considerados como poco convencionales para el arte occidental, sin embargo,  desde hace algunos años atrás, están siendo explorados por artistas visuales de formación académica como materia prima para materializar sus propuestas: los tejidos, la indumentaria, el arte utilitario de raíces andinas o amazónicas, los patrones del dibujo amazónico, los tintes  empleados para dar color a la tela, todos ellos son recurrentes actualmente como parte de la investigación para las diversas propuestas de artistas académicos en la actualidad, y por ende esta exposición consigue  valorar y unificar el trabajo de mujeres peruanas desde la perspectiva artística sin que ello altere su identidad como artistas.

Una observación que podría hacer con respecto al tema de difusión en medios(que no mella en absoluto con la calidad de la muestra, pero es necesario no dejar pasar por alto este detalle) es que debería haberse mencionado la lista de nombres de las 50 artistas participantes que gracias a su arte dan vida a este interesante proyecto y aunque la concepción del mismo es mérito del curador-valgan verdades-sin embargo, habría sido conveniente dar a conocer la totalidad de nombres sus artistas en redes sociales y medios escritos para familiarizar más al público y éste pueda asociar a las artistas con el trabajo que vienen realizando dado que, no todos pueden asistir a la galería y recibir un folleto informativo de la muestra(publicación donde si aparece la relación de las artistas). Con dicha mención de las mismas se lograría así la finalidad de la muestra: la buena intención del curador y del ICPNA en su encomiable labor al difundir las artes tradicionales y a sus creadoras en todos los medios y espacios posibles pero, con nombres y apellidos debido al respeto que se merecen debido a su trayectoria y la relevante participación en este elogiable proyecto artístico.

En resumidas cuentas: son artistas mujeres peruanas unidas por sus habilidades y talento sin importar su procedencia, la formación que posean, ni su propia esencia artística. Una buena exhibición que dignifica y revalora  las artes tradicionales a través de una transición inclusiva del arte tradicional desde su lugar de origen hacia la galería de arte a través de la fusión entre lo moderno y lo tradicional.  Una exhibición que sin lugar a dudas, vale la pena apreciar.

ROSA MARÍA VARGAS R.
Historiadora, Critica de arte y Curadora independiente
 Fotografías y Diseño: Rosa María Vargas R. 


NOTA: Ambas exposiciones: TRÁNSITO ANÓNIMO, y la muestra colectiva MANOS CREADORAS:MANOS  DE MUJER, estarán abiertas al público hasta el día Domingo 28 de Agosto, en el horario de  11:00 a.m. a 8:00 p.m. Dirección del ICPNA de Lima: Jr. Cuzco Nro. 446 – Lima 1. 

viernes, 19 de agosto de 2016

Mi primer día de labor Docente en la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú. Ciclo 2016-II

Hoy,  Viernes 19 de Agosto del 2016, inicio una nueva etapa profesional como Docente de la asignatura de Comunicación visual I, en la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú (ENSABAP). Me siento contenta de iniciar este ciclo con estudiantes con mucho talento e interés en la especialidad  artística que han elegido y sus deseos de aprender. Mi agradecimiento a ENSABAP  por darme la oportunidad de ejercer la docencia en su reconocida y ya casi centenaria institución(en el 2018 cumplirán 100 años de creación), es para mí un gran honor. 







viernes, 15 de julio de 2016

Un breve comentario acerca de la exposición "POLVO ENAMORADO", del artista MIGUEL VALVERDE ROBLES,"MICHA", en el bar "La Emolientería" de Miraflores




El pasado Miércoles, 22 de Junio el 2016, se inauguró la exposición “Polvo Enamorado”, del artista Miguel Valverde “Micha”; que tuvo como marco un espacio de exhibición poco convencional: el bar “La Emolientería”  en Miraflores.

MIGUEL VALVERDE ROBLES, “MICHA” (Ancash-Perú, 1980) 
Artista visual, Diseñador gráfico, fotógrafo y gestor de proyectos culturales,  egresado de la especialidad de Pintura en la Escuela Nacional Autónoma de Bellas Artes del Perú, con un bachillerato en arte en la Universidad Nacional Mayor de San Marcos; estudió Diseño Gráfico en el Instituto Toulouse Lautrec y Diseño Web en el Instituto MGP Group. Tiene en su haber diversas exposiciones colectivas nacionales e internacionales en Países como: España y Argentina. Dedicado además-desde hace años- al retrato (iniciándose con el maestro Andrés Palacios); y posteriormente, se dedicaría-en el taller de Juan Chiclla-al retrato iluminado o “Monero”,  referente actual de su más reciente propuesta.  

El retrato “Monero” o “mono” de los últimos diez años en el Perú, posee una técnica que difiere del retrato iluminado tradicional, pues anteriormente, se retocaban coloreando y dándoles luminosidad a las fotografías con tiza pastel. Dichos retratos eran muy populares en la década de los cincuentas del siglo XX, especialmente en la ciudad de Lima(en particular, por los inmigrantes de diversas provincias del Perú quienes eran-y aún lo son-muy afectos a este tipo de representación de sus seres queridos).  Actualmente es muy popular  en países de Centroamérica y en México, donde se evidencia una gran demanda y desde donde llegan  gran cantidad de encargos a talleres de Lima y alrededores, actividad gracias a  la cual,  algunos pintores  peruanos se han venido ganando la vida de forma discreta. En nuestros días, se vienen elaborando dichos retratos empleando imágenes en color impresas, las cuales, se trasladan a un lienzo y luego son  retocadas con pintura al óleo, técnica también conocida como “Foto-óleo”, que les permite ahorrar tiempo e insumos, sin embargo,  Valverde Robles apuesta además, por la técnica del retrato tradicional de caballete, como el  buen pintor “de oficio” que es.

En "Polvo Enamorado",  el artista construye un particular escenario, apelando para ello, a la apropiación de imágenes icónicas del imaginario político, artístico y televisivo nacional y universal; mimetizando identidades individuales en una suerte de sincretismo donde armoniza desde lo bueno y lo malo,  lo bello y lo grotesco hasta  lo real y lo absurdo. Por ultimo; rinde homenaje en una serie de 3 obras dedicadas a aquellos jóvenes íconos quienes destacan en diversos ámbitos en nuestro país, aunque en este caso, para complementar su discurso, el artista ha realizado un trabajo cuya composición incluye la intervención del enmarcado de la pieza pictórica, otorgándole así, cierta significancia y una mayor comprensión a quien lo observe.

Su propuesta, reinventa el retrato iluminado creando un universo, donde parte de lo eclético para rememorar así contextos y personajes; algunos compatibles, otros más bien antagónicos, recurriendo a  la sátira e ironía para lograr su objetivo: crear imágenes ilusorias o situaciones ficticias, siempre en parejas(composición recurrente dentro de la tradición del retrato ”monero”).  Miguel Valverde Robles denota además,  su buen  dominio en la ejecución de la técnica académica del retrato en estas series presentadas al prescindir en mayoría, de la transferencia de la imagen proveniente de la  impresión digital (salvo algunos detalles del fondo), y en cambio, le dá mayor  importancia al empleo de la técnica retratista académica adquirida durante su formación,  algo que  es bastante meritorio en este tipo de trabajo artístico,  reafirmando con ello su calidad como artista más allá del  “transfer”  demostrando,  que su trabajo es mucho más que eso y su obra así lo confirma.

ROSA MARÍA VARGAS R.
Historiadora, Crítica de arte y Curadora Independiente 
  

NOTA: La exposición estará abierta al público hasta el  17  de julio, en el horario de de 8 a.m. hasta la 1:00 p.m., los viernes; y el sábado hasta las 3:00 a.m.

jueves, 14 de julio de 2016

Inuaguración de la exposición "LÍRICA DE LA NOSTALGIA", de la Artista MARITA PALOMINO. Centro Cultural CAFAE-SE. San Isidro.

Hoy 14 de julio del 2016, se llevó a cabo la realización de la exposición "LÍRICA DE LA NOSTALGIA", de la Artista Marita Palomino. No realizaré crítica alguna acerca de la obra de la artista  pues, no sería ético de mi parte pronunciarme al respecto por tratarse de una artista cuya exposición estoy curando actualmente, sin embargo; si deseo expresar mi agradecimiento a la Artista Marita Palomino , por confiar en mi trabajo curatorial y del mismo modo al Centro Cultural CAFAE-SE por las facilidades brindadas durante las coordinaciones , montaje y en la fecha inaugural. 

Quedan cordialmente inivtados a visitar la muestra "LÍRICA DE LA NOSTALGIA", en la Galeria del Centro Cultural CAFAE-SE: Avenida Arequipa 2985, San Isidro-Lima. Perú. La exposición estará abierta  al público hasta el día 07 de Agosto del 2016. 

 


                                       



                                                                    














miércoles, 13 de julio de 2016

MONTAJE DE EXPOSICÍÓN " LÍRICA DE LA NOSTALGIA ", DE LA ARTISTA MARITA PALOMINO

 Ayer, Martes 12 de Julio del 2016, iniciamos el Montaje de obras de la exposición "Lírica de la nostalgia", de la artista Marita Palomino (exposición de la cual soy curadora) , en el Centro Cultural CAFAE-SE, en San isidro y cuya inauguración se llevará a cabo el jueves 14 de Julio a las 7:30 de la noche en dicho centro cultural. Agradezco en nombre de la artista y el mío propioal Centro Cultural, por las facilidades brindadas para la realización de esta muestra. Quedan cordialmente invitados!!!