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sábado, 30 de agosto de 2014

MI APRECIACIÓN ACERCA DE LA EXPOSICIÓN "EL PEQUEÑO HUKUSAI (Y OTRAS HISTORIAS)", DEL ARTISTA EDUARDO TOKESHI.


La galería Fórum inauguró el pasado 20 de agosto del 2014, la exposición titulada “El pequeño Hokusai (y otras historias)”, del artista Eduardo Tokeshi, quien presenta obras en diversos formatos, dimensiones y técnicas.
EDUARDO TOKESHI (Lima-Perú, 1960) Artista visual, con estudios de Arquitectura en la Universidad Nacional Federico Villarreal (1978-1980), y en la Facultad de Artes en la Pontifica Universidad Católica del Perú (1981-1986). Actualmente labora como docente en esta última universidad. Entre los Premios más importantes de su carrera destacan:  Primer Premio, II Salón Nacional de Dibujo, ICPNA(Lima,1986), II Concurso Nacional de Artistas Jóvenes, Southern Perú – ICPNA (Arequipa, Perú,1987), Mención Honrosa, 27º Festival Internacional de la Peinture, Château-Musée de Cagnes-sur-Mer, (Cagnes-sur-Mer , Francia ,1995), Primer puesto, Salón Internacional de Estándares ES96,( Tijuana- México,1996). Ha tenido la oportunidad de participar en varias bienales de Arte en países como Chile, Ecuador, Brasil, Cuba Uruguay, Santo Domingo, Puerto Rico, Estados Unidos, Italia  y Francia.

En la actualidad Tokeshi ha venido replanteando su trabajo y ha conseguido reinventarse y dejar atrás aquel arte, que en su caso, más que político, era un arte con responsabilidad social; transmitiendo en aquella etapa (1984–1994) su preocupación e indignación por la violenta coyuntura de aquellos días. El  arte de Tokeshi  ha evolucionado, a diferencia de algunos artistas que aún en pleno siglo XXI, insisten en la temática política recurrentemente contextualizada en los pasados ochentas o noventas, quienes han convertido su obra en un descarado panfleto político, desfasado e incoherente, algo que en su momento Tokeshi supo tratar con mesura, sutileza  y altura, pese a la caótica etapa política y social del Perú que le tocó vivir. Edurado Tokeshi tiene orígenes japoneses, para ser más precisos: Okinawenses, Pero su identidad y su sentir  son peruanos, y así lo ha expresado siempre en su obra desde hace varios años, sus memorables instalaciones han sido buena prueba de ello. Actualmente su trabajo se enfoca más en lo personal y lo introspectivo.
 
Para esta reciente propuesta, el artista apela a la memoria y a su propio universo onírico y en esta muestra se visualiza a sí mismo bajo la figura de un “pequeño Hokusai”, “Alter Ego” infantil  de Tokeshi, quien evoca al ilustre  dibujante y grabador japonés, Katsushika Hokusai (Tokio, 1760- 1849), más conocido como Hokusai, cuyo trabajo fue muy importante al igual que su estilo y que décadas posteriores influyera en la obra de pintores occidentales impresionistas  tales como: Henri de Toulouse-Lautrec, Paul Gauguin, Edgar Degas, Vincent Van Gogh y Claude Monet, tanto en la estética del dibujo como en la temática y la composición.
  
A pesar de los distintos contextos tanto históricos, geográficos y cronológicos en los que se han desarrollado artísticamente, sería imposible el no hacer una analogía entre ambos, dado el evidente “paralelismo” existente entre la producción artística de Hokusai y la suya.  Hokusai quien además de ser un maestro grabador y dibujante, ilustraba todo tipo de publicaciones históricas y didácticas, especialmente estampas infantiles, actividad en común que también ha venido realizando Eduardo Tokeshi, ilustrando cuentos, algunos ellos: “Lavandería de Fantasmas”(2010) del escritor peruano José Watanabe, y “Goig”(Edición del año 2005), de los escritores Alfredo Bryce y Ana M. Dueñas; entre otros trabajos editoriales, compaginándolos con su labor docente, lo cual hace que el propio artista se identifique con su imagen, motivos más que suficientes para comprender el “por qué” del título de esta muestra. El propio  Eduardo Tokeshi  lo ha explicado de esta  manera:  “ La presencia de Hokusai en esta muestra es muy extraña: tuve un sueño en donde un Hokusai muy niño jugaba en el borde de un río, en eso se le aparece el fantasma del viejo poeta matsuo basho, el pequeño Hokusai lo mira sorprendido y el fantasma de basho le dice imperativamente: debes dibujar....el sueño (en blanco y negro) acaba ahí y aparece de pronto en la presente muestra...”.
 
Hoy, la tendencia actual por parte de los artistas a nivel mundial es el develar algunos aspectos pasados de su propia vida personal o sueños que reproducen   en su obra. Sin embargo, a mediados del siglo XX, el pintor surrealista Salvador Dalí (España 1904-1989), basó la mayor parte de su obra en la teoría del psicoanálisis y la interpretación de los sueños de Sigmund Freud (Austria, 1856-Inglaterra, 1939) y Carl Jung (Suiza, 1875-1961), temática que ahora ha inspirado  también al propio Eduardo Tokeshi.

En algunas series de esta exhibición, Eduardo Tokeshi reconstruye su pasado, haciendo énfasis en su niñez y adolescencia, y por ende el carácter lúdico de esta propuesta es más que evidente en los elementos que forman parte en la composición de su trabajo: rostros y personajes de claros rasgos asiáticos, un mundo de fauna animada, dibujos basados en cuentos  y  fábulas lo cual pone en evidencia en su iconografía. Además elabora  íconos con reminiscencias religiosas y políticas, las cuales conjuga con otras imágenes contextualizándolas  dentro de un entorno íntimo e introspectivo, donde saca a relucir sus  gustos,  emociones, y  aquellas historias que han formado parte de su propio imaginario y que le fueron transmitidos  generacionalmente. Tampoco sería de extrañar su interés por aquellas historias provenientes del país del sol naciente como también, de  fábulas  occidentales que han estado presentes en el imaginario de los niños peruanos y a las que sin duda, su gusto infantil no ha sido ajeno. En sus lienzos apreciamos su conexión con la naturaleza y el entorno (otra característica de los dibujos de Hokusai) y su evidente  fascinación por los felinos (los gatos son elementos recurrente en buena parte de esta muestra). Más allá de la temática, el Artista complementa su pintura con una paleta llena de agradables y coloridos contrastes al óleo, el empleo de la tinta china,  la precisión en su dibujo- intencionalmente- de irregulares proporciones. En su dibujo resalta no solo el buen dominio de la técnica, la precisión además de  la  creatividad y diversidad cromática que apreciamos en sus ”cajas retablo” de dibujos superpuestos en capas.
 
La sencilléz de su técnica, estilo y  su gran capacidad de síntesis con respecto al mensaje visual de su obra, lo llevan a centrarse más en la forma y no en el fondo, logrando así, una original estética surrealista y mágica que en la actualidad viene caracterizando  al artista Eduardo Tokeshi, cuyo trabajo aún continúa conservando la calidad, sigue superado nuestras expectativas, y que aún hacen prevalecer su importancia dentro de la historia del arte peruano contemporáneo.
 
ROSA MARÍA VARGAS R.
Historiadora, Crítica de Arte y Curadora Independiente

Fotografías y diseño: Rosa María Vargas R. © All rights reserved

 
Nota: La exposición continuará abierta al público hasta el 6 de Septiembre en la Galería “Fórum”, Av. Larco 1150(sótano), distrito de Miraflores-Lima, Perú.

jueves, 28 de agosto de 2014

UN BREVE COMENTARIO ACERCA DE LA EXPOSICIÓN "AMAZONÍA BIDIMENSIONAL", DEL ARTISTA PLÁSTICO JUAN ECHENIQUE.


En el Centro cultural Juan Parra del Riego se viene llevando a cabo la exposición “Amazonía Bidimensional”, del artista Juan Echenique, la misma que se inauguró el pasado 14 de agosto del 2014 y que nos presenta la última serie producida por el artista y una serie anterior, en mediano y gran formato.

JUAN ECHENIQUE (SAN MARTÍN– PERÚ ,1967)
Artista de mediana trayectoria, egresado de la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes de Lima (1989-1994), posee varias menciones honrosas a lo largo de su carrera. Su obra forma parte de colecciones privadas en el Perú y en el exterior. Actualmente reside en su tierra natal, San Martín, donde ha venido desarrollando su trabajo artístico y es considerado uno de los artistas más representativos de aquella región.

Juan  Echenique viene presentando un trabajo expresionista en cuanto al empleo del color, con una paleta compuesta predominantemente  de tonos fríos y otras más vibrantes en colores asociados al graffitti, en la gama del neón, y sobre ello, realiza un dibujo trazo grueso centrándose en un único elemento icónico en su pintura sin mayores elementos en la composición total. Cromáticamente hablando, está lleno de contrastes y el trazo fuerte se complementan creando un equilibrio, pero siempre en dos dimensiones: la línea del dibujo y los planos, en lo concerniente al color.  La composición plana, pues prescinde de volúmenes, por lo tanto resulta más estática, a diferencia de anteriores propuestas donde la disposición de los personajes le otorgaba cierto dinamismo a sus lienzos, algo propio de la estética cubista. (obras anteriores que también tenemos oportunidad de observar en esta muestra y difieren de esta nueva serie presentada).

El estilo  de Juan Echenique se inspira en las primeras vanguardias artísticas pues posee elementos del cubismo y  del expresionismo, tendencias artísticas que se originaron en las primeras décadas del siglo XX, y que para muchos, ya son conocidas técnicamente hablando, sin embargo, lo más resaltante de su obra es el poder  contextualizarla en su propio entorno: La Amazonía.  A diferencia de otros artistas que en la actualidad han venido plasmando en su obra el lado más sórdido de la Amazonía, u  otros que intentan crear conciencia retratando con crudeza  la miseria de algunas zonas, Echenique rescata la belleza aún persistente  en la naturaleza amazónica y en el ser humano bajo diversos contextos: lo rural y  lo urbano, en lo cotidiano y en lo íntimo, confiriéndole a su obra un interesante significado que ha sintetizado acertadamente bajo el título de “Amazonía Bidimensional”.

ROSA MARÍA VARGAS R.
Historiadora y Curadora Independiente

Fotografías y diseño: Rosa María Vargas R. © All rights reserved 
NOTA: Para quienes deseen apreciar la exposición, aún tienen tiempo de hacerlo en el Centro Cultural Juan Parra Del Riego: Av. Pedro de Osma  Nro. 135 – Barranco, Lima.  La muestra finaliza el día 31 de Agosto.

domingo, 17 de agosto de 2014

MI IMPRESIÓN ACERCA DE LA EXPOSICIÓN ANTOLÓGICA "EL SIGNO Y LA FORMA", DE LA ARTISTA CHARO NORIEGA






























Desde el pasado 7 de agosto del 2014, se viene llevando a cabo la exposición antológica “El signo y la forma”, de  la artista Charo Noriega en la galería “Ccori Wasi”, del Centro Cultural de la Universidad Ricardo Palma. Dicha muestra es el repaso de más de tres décadas  de su destacada trayectoria.

Charo Noriega (Piura, 1957)
Reconocida Artista plástica, con estudios de artes plásticas en la Pontificia Universidad Católica – Lima (1974-75) y en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes - Lima (1976-82). Charo Noriega adquiere notoriedad cuando forma parte del colectivo “E.P.S. Huayco”, a fines de los setentas e inicios de los ochentas, junto a quienes aportó un nuevo concepto de arte peruano: “Pop-art” con proyección social. En este taller-colectivo trabajaría la técnica de la serigrafía y posteriormente estudiaría en París (Francia), xilografía en ADAC, durante los años 1991 y 1992. Radicando y trabajando en dicho país hasta 1995. Su trabajo ha  sido expuesto en las más importantes salas del Perú y en países como Uruguay, Francia y Estados Unidos de América.

Para esta exposición antológica, se han seleccionado una serie de obras que muestran su evolución artística de manera individual. Su primera serie de obras se remonta a  inicios de los 80’s, (1983 aproximadamente), en dichos lienzos, la artista plasmaría escenas de aquella y desconocida realidad andina que ya mostraba indicios de una emergente violencia de grupos subversivos que operaban en las zonas del interior del Perú en aquella década. Noriega trata el tema con mucha sutileza, empleando la pintura como una herramienta de lenguaje con la cual denuncia y  al mismo tiempo pone de manifiesto su preocupación todo ello realizado en un estilo muy cercano al Naif.


En otra serie, que corresponde a su etapa parisina, de mediados de los ochentas, apreciamos que en esa continua búsqueda experimenta con el constructivismo, estilo de líneas simples y geométricas empleando la témpera, el guaché, la xilografía  y el empleo del collage, fusionando la pintura con fragmentos de grabados xilográficos para dicho fín y que nos trae a la memoria a uno de los representantes más importantes de dicha visión artística: el uruguayo Joaquín Torres García(1874- 1949). En dicha etapa también redescubre una estética diferente, de clara reminiscencia prehispánica que encuentra en las muñecas de la cultura Chancay, plasmando en dichos elementos sus sentimientos y emociones al encontrarse de cara a un contexto geográfico e idiomático distinto al que le costó adaptarse en un principio, tal como lo ha confesado la propia Charo Noriega: “Al inicio de mi estancia en París, fue difícil la comunicación porque mi francés era muy básico y no fue tan fácil aprenderlo, especialmente la pronunciación…..me sentía impotente al no poder expresarme  bien en ese idioma, y ese sentir lo  plasmé en la serie de lienzos que realicé por aquel entonces, donde puedes ver que los personajes de éstos lienzos quieren hablar, pero no pueden hacerlo….Así me sentía Yo”.

En otra serie posterior (tras su retorno al Perú, a mediados de los noventas), vemos su inclinación por la abstracción lírica con una paleta más intensa de color creando interesantes texturas y formas circulares que predominan buena parte de su trabajo. En otra serie (a mediados de la década del 2000), comienza a experimentar  con  la parafernalia amazónica como elemento de inspiración.

 También exhibe algunos lienzos de su más reciente exposición individual  “Reflexe / Véhément    Vehemente / Reflejo” que se llevó a cabo en la sala de exposiciones de la fundación “Euroidiomas” (en marzo de este presente año), donde de manera figurativa,  toma como referente el colorido de la flora  del oriente peruano.  Reflejando en ellas, mezcla  de  emociones humanas con dibujos  de la  iconografía amazónica logrando notables resultados.


Resumiendo  sus más de treinta años de labor  artística,  podemos afirmar  que lo más destacado en su producción  es: la precisión en el dibujo, buen manejo de las técnicas pictóricas como también una variada paleta de colores que van desde lo cálido e intenso hasta una paleta monócroma y fría con las cuales, identifica a  cada serie. Existe además, un  denominador común frecuente en cada una de ellas: la retórica de su discurso: Solo basta leer el acertado título de esta exposición antológica: ”el signo y la forma”, para darnos  cuenta de que  éste resume perfectamente la manera como la artista ha empleado el signo y su significado como un código visual entre Ella y  el espectador: cada lienzo posee símbolos o signos, elementos que hallamos en su pintura o grabados a los que la artista les otorga su propio  significado, empleándolos como una herramienta eficaz  de su lenguaje  visual como expresión artística. En su obra se cumple la función  de semiósis, que aplicado al trabajo de Charo Noriega se definiría como un arte  generador  de signos, lo que conlleva a ese proceso natural  de construcción de la  realidad mediante la interpretación del significado del signo que se complementa con la estructura de la forma, bajo los principios de la semejanza,  simetría, proximidad y  continuidad.


Charo Noriega ha representado casi la totalidad de su trabajo artístico, basándose siempre en metáforas y simbolismos con los cuales la artista reproduce sus más profundos sentimientos: preocupación, indignación, melancolía, impotencia pero a la vez un sincero y profundo amor por la vida representando al hombre y a la naturaleza en su contexto. Su nombre ya se ha ganado un lugar dentro de la historia del arte peruano, cuyo trabajo debe ser conocido por  las jóvenes generaciones  quienes  ahora tendrán la oportunidad de hacerlo, pues sería imperdonable perderse esta exposición retrospectiva de uno de los más importantes referentes del arte contemporáneo nacional.

Rosa María Vargas R.
Historiadora, Crítica de Arte y Curadora Independiente.

Fotografías y diseño: Rosa María Vargas R. © All rights reserved. 

  Nota: La artista realizará una visita guiada el día jueves 21 de agosto a las 6:00 p.m.  La exposición seguirá abierta al público hasta el día 31 de agosto del 2014, en la Galería Ccori Wasi, Av. Arequipa 5198, Miraflores. Horario: De lunes a domingo de 11:00 a.m. hasta las 8:00 p.m. .


sábado, 2 de agosto de 2014

MI APRECIACIÓN ACERCA DE LA EXPOSICIÓN ANTOLÓGICA QUE CONMEMORA LOS 30 AÑOS DE LA SALA LUIS MIRÓ QUESADA GARLÁND DE LA MUNICIPALIDAD DE MIRAFLORES.



Teniendo como marco la celebración de su 30 aniversario, La sala Luis Miró Quesada Garland  viene presentando una exposición antológica, la cual ha reunido destacados trabajos en  Pintura, Fotografía, Escultura e Instalación, realizados por artistas que han expuesto anteriormente en dicha galería, quienes  forman parte de la historia de este conocido e importante espacio de arte.


SALA LUIS MIRÓ QUESADA GARLÁND (Miraflores-Lima-Perú, 1984).

Fue fundada por el Crítico de arte Luis Lama, bajo el nombre de “Centro Cultural de la Municipalidad de Miraflores”, cuyo propósito era el de difundir el arte moderno o contemporáneo en una sala sin fines comerciales. La sala abrió sus puertas al público por primera vez, el 17 de Julio de 1984, presentando  una exposición retrospectiva del artista David Herskovitz.  Posteriormente, dicho espacio sería bautizado en honor al arquitecto Luis Miró Quesada Garlánd, quien diseñara el palacio municipal del distrito de Miraflores y asimismo fuera periodista, educador, crítico y promotor de arte moderno; como comentara en algún momento el propio Lama:”Cuando El murió, pensé que el mejor homenaje que podía hacerle a un hombre tan valioso era ponerle su nombre a la Sala. ". El año 2011, el crítico retoma nuevamente su cargo de  director hasta el año 2012. 

En la Actualidad, además de las exposiciones de artes visuales, se han venido llevando a cabo dentro del mismo espacio diversas actividades culturales, tales como: presentaciones de libros, conferencias, proyecciones audiovisuales  y otros eventos.


Para esta exposición antológica se vienen  presentando trabajos de artistas visuales de diversas generaciones, entre ellos: Sandra Gamarra, Gilda Mantilla, Eduardo Tokeshi, Susana Torres, Mariela Agois, Miguel Aguirre, Roberto Huarcaya, Juan Javier Salazar, Fernando La Rosa, entre otros, quienes representan una fracción del arte contemporáneo peruano.  Poseen un arte de carácter coyuntural tanto a nivel político y social. Respecto a esto último, el trabajo que más destaca por tener dicha connotación dentro de la coyuntura en la que se concibió es el del artista  Eduardo Tokeshi, extraído de su serie: “Banderas”, intervención-instalación en la que emplea una bandera real a la cual ha cosido por detrás de la misma, una tela enrrollada  a modo de bulto,  el cual se asemeja a un cuerpo, y de algún modo es un  fiel reflejo de la caótica y violenta década de los ochentas que le tocó vivir  y que plasmó en su obra, haciendo eco de su propia preocupación e  indignación, lo cual se evidencia en buena parte de su producción artística (basada mayormente en instalaciones) a partir de 1985 hasta mediados de la década de los noventas.


Respecto a esta muestra y según uno de los curadores de la exposición: “se decidió dar prioridad a obras que marcaron un hito en la escena local y a aquellas donde hubo un trabajo más claro y definido en la curaduría.”. Sin embargo , se hizo alguna salvedad, con respecto a la obra del legendario fotógrafo Martín Chambi quien, al no pertenecer precisamente a la etapa del arte contemporáneo- teniendo en cuenta la evolución de la fotografía en el arte desde las últimas décadas del siglo XX, hasta el día de Hoy- dicha exposición antológica “Fotografía Peruana”, realizada en 1985, fue muy importante a nivel curatorial, y por lo tanto ha sido considerada(acertadamente)para ser presentada en esta exposición como también, debido a su significado y valor tanto artístico como documental dentro de la historia de la fotografía peruana .

Si bien es cierto, es una buena exposición y las obras hablan por sí mismas, ya sea por el buen dominio de la técnica y su significado, uno de los detalles que llama la atención es la  reducción  del espacio de la sala (En anteriores exposiciones el  espacio  era de una mayor dimensión al utilizado en esta ocasión), pues al tratarse de una exposición antológica, debían haber considerado ampliar el área y mostrar un número mayor de obras, pues habría sido interesante también, apreciar la producción de artistas cuya ausencia  se hace evidente en esta ocasión, y que dieron prestancia a esta sala en su momento.

También cabe mencionar que no consideraron exposiciones colectivas importantes que hicieron de esta sala, un bastión importante en el arte cuya temática se basaba en la defensa de los derechos humanos a principios  de los ochentas. Igualmente en los 90’s se llevaron a cabo muestras importantes las cuales, merecían haber tenido un lugar en esta exhibición, pues dá la impresión de haber tenido muy poco tiempo en la  planificación e investigación, más aún por tratarse de las tres décadas de existencia de esta galería. Debieron además,  emplear infografías para ubicar mejor, el transcurrir del arte y su relación con los acontecimentos históricos de los últimos tiempos al público espectador,  ya que  su disposición es algo confusa. Es un hecho que toda institución cultural, sala o museo debe tener una orientación didáctica e informativa , teniendo en cuenta que en el Perú actual, hay un escaso interés por el arte y la cultura. 

Sin embargo, estas observaciones no mellan en absoluto la calidad de los trabajos expuestos, ni del talento de  los artistas, como tampoco del  propósito de esta  exposición antológica, que se puede definir  como un breve repaso de la historia de la más emblemática sala de arte contemporáneo de  Lima. 

ROSA MARÍA VARGAS R.
Historiadora y Curadora independiente.

Fotografías y diseño: Rosa María Vargas R. © All rights reserved.  
 
NOTA: La muestra continuará  abierta hasta el día 17 de Agosto, en la sala Luis Miró Quesada Garland: Cruce de la avenida  Av. Larco y el Jr. Diez Canseco (espalda de la municipalidad de Miraflores), de martes a domingo, de 11 a.m. a 10 p.m.