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martes, 30 de diciembre de 2014

Mi apreciación acerca de la exposición histórica: “YONABARU: 100 AÑOS DE PRESENCIA EN EL PERÚ”, en el Centro Cultura Peruano Japonés



El 13  de Noviembre del 2014, se inauguró en el Centro Cultural Peruano Japonés, una exposición histórica: “YONABARU: 100 AÑOS DE PRESENCIA EN EL PERÚ”, bajo la curaduría de la arquitecta AMI SHIMABUKURO, quien contó con la colaboración  de los descendientes de los primeros inmigrantes de Yonabaru, quienes cedieron material fotográfico, documentos  y  algunos  objetos para llevar a cabo esta exposición.

Esta muestra conmemora  el centenario del arribo  al Perú de los primeros  inmigrantes del pueblo de Yonabaru, una ciudad situada en el distrito de Shimajiri, Prefectura de Okinawa – Japón, quienes arribaron en el buque Anyo Maru en 1914.  Estos inmigrantes vinieron  al Perú bajo un contrato de trabajo agrícola en haciendas del norte de Lima(Chancay-Huaral) y en el sur (Ica). Su estadía en el Perú sería temporal, pues albergaban la esperanza de regresar y continuar su vida en su Yonabaru natal. Sin embargo, los conflictos bélicos que involucraron a Japón los llevaron  a tomar una difícil pero sabia decisión: establecerse definitivamente en el Perú.

Esta presente exposición es un homenaje a aquellos quienes arriesgaron todo y  emigraron  a una tierra desconocida, cuya lengua y costumbres les eran ajenos pero en los que podrían obtener calidad de vida y recursos para su posterior (y para algunos frustrante) retorno al terruño.  Algunos padres  enviaron de regreso a sus hijos a Okinawa por razones de estudio, mientras los mayores se quedaban trabajando en el Perú, sin embargo tras la guerra,  muchos de estos jóvenes Nippo-peruanos no regresarían al terminar, enrolándose en las tropas imperiales. Estas familias recibirían (varias décadas después) condecoraciones póstumas de parte del emperador Hiroito en merito a su  valor demostrado  en combate defendiendo al “imperio del sol naciente”.

Podrán apreciar un interesante archivo de reproducciones fotográficas las cuales nos ilustran  episodios de la vida cotidiana de aquellos inmigrantes y  sus descendientes nacidos en el Perú como también se observan una serie de utensilios de uso diario, documentos, monedas, instrumentos musicales, vestuario, material educativo, además de dos obras artísticas: la primera de Ami Shimabukuru , quien ha realizado un collage fotográfico digital conformado por fotografías de descendientes de Yonabaru en el Perú en distintas etapas de sus vidas, y la segunda: realizada por la artista Sandra Gamarra Heshiki (Lima-Perú, 1972), quien presenta un  lienzo inspirado en la evocación de incompletos recuerdos familiares.

La importancia de esta exposición radica en que recurre a la memoria para  reconstruír  parte de un pasado(no muy lejano) en base a testimonios gráficos y documentación de diversas épocas que nos permite hacer un viaje a un pasado que muchos peruanos desconocen: los usos, costumbres y todo aquello que implique aspectos de su cultura que los "yonabaranchus" trajeron a esta tierra que los acogió y que luego adoptaron como suya. Debemos tener en cuenta que no se trata de  una historia aislada, pues  forma parte también de la Historia del Perú y de ahí  el valor de su significado. Dada su relevancia histórica y bien logrado trabajo, habría sido conveniente que se llevase a cabo en uno de los espacios del Museo de la Inmigración Japonesa al Perú "Carlos Chiyoteru Hiraoka", del Centro Cultural Peruano Japonés dado su valor histórico; sin embargo, la ubicación de esta muestra en el Hall de dicho centro cultural permite una mayor visibilidad y acceso a quienes frecuentan el centro y es una buena oportunidad de conocer ese lado de la historia peruana protagonizada por personas que hicieron “patria” en nuestro suelo y sus herederos aún lo siguen haciendo como Peruanos que son, y esta exposición es una notable prueba de ello.

ROSA MARÍA VARGAS R.
HISTORIADORA, CRÍTICA DE ARTE Y CURADORA INDEPENDIENTE.

Fotografías y diseño: Rosa María Vargas R.

NOTA: Aún tienen tiempo de poder visitar la exposición, la cual estará abierta hasta el día 3 de Enero del 2015 en el Hall del Centro Cultural Peruano –Japonés, Av. Gregorio Escobedo 803, Jesús María, Lima-Perú.

miércoles, 19 de noviembre de 2014

MI APRECIACIÓN ACERCA DE LA EXPOSICIÓN "APUNTES DEL PAISAJE" DEL ARTISTA HIROSHI YOSHIMOTO, EN EL CENTRO COLICH DE BARRANCO



El pasado 29 de octubre se inauguró la exposición “Apuntes del Paisaje”, del Artista Hiroshi Yoshimoto en el centro Colich de Barranco, conocido espacio de Arte de dicho distrito.

HIROSHI YOSHIMOTO 
(Lima-Perú, 1982). 
 Artista visual egresado de la escuela de artes visuales “Corriente alterna”(2007-2013), con estudios en la facultad de artes de la Universidad Católica del Perú (2000-2001 y 2004- 2005). Fue alumno en el taller de escultura y joyería artística de Ana Navas (2002-2006) además de haberse graduado en la escuela de alta cocina de la universidad San Ignacio de Loyola. Tiene en su haber diversas exposiciones individuales y colectivas entre las que destacan: “PUNTOS DE FUGA” en la galería “Enlace” Lima –Perú (2014), EXPOSICIÓN DEL  XXIV CONCURSO NACIONAL DE ACUARELA “PAISAJE PERUANO” en el Centro Cultural Peruano Británico. (2013), “AMULETOS Y TALISMANES” en el “Centro Colich” de Barranco (2013), “EXPOSICION DE ANIVERSARIO” en la galería de la Escuela de Artes Visuales Corriente Alterna. (2012), “INDIVIDUAL DAIMON” en la galería “Lúdico”. Lima- Perú (2006), “EL USO DEL DESUSO” en la galería PUNCTUM. Lima-Perú (2005).

Actualmente, compagina su labor artística con el diseño de Joyas, actividad que viene realizando desde hace casi seis años bajo su propia firma:”Hiro Yoshimoto”, creaciones que también se pueden apreciar y adquirir en la sala de exhibición de  joyería del “Centro Colich”.

En esta propuesta, que consta de algunos trabajos en acuarela de mediano y gran formato, en los cuales plasma el paisaje de la costa marina de Lima y La isla San Lorenzo, toma como punto de partida la observación y la reinterpretación de los mismos, contextualizándolos dentro de una atmósfera poética basada en el Haiku: Un tipo de poesía japonesa corta de tres versos, inspirada en la  emoción profunda que se produce en el poeta: debido a la contemplación de la naturaleza y sus fenómenos. Al igual que en el Haiku, en  la obra de Yoshimoto advertimos cierta libertad, sutileza, naturalidad, simplicidad y  la yuxtaposición de imágenes separadas por una línea divisoria (delimitando el cielo y el mar). Aquellas  líneas de horizonte que apreciamos en la totalidad de la obra de Hiro Yoshimoto, nos hacen evocar la obsesión por las marinas del  acuarelista y gran maestro de la pintura paisajista, Joseph Mallord William Turner(Londres, 1775 – 1851) y aunque sus obras  estaban enmarcadas dentro de un vasto contexto histórico, podría decirse que aunque Turner se mantuvo siempre dentro de la corriente  romántica, de tendencia figurativa, pero (quizás sin saberlo) apeló a la abstracción representando  a las fuerzas de la naturaleza con gran maestría.  A decir de muchos, el estilo de dicho artista se considera como antecesor del impresionismo.

Haciendo una analogía entre el trabajo de Turner  con el de Yoshimoto, podemos afirmar de éste último, que su paleta posee una gran variedad cromática naturalista, propia de la pintura académica, pero que adquiere un caríz distinto debido a la libertad de sus pinceladas y agradables contrastes dentro de una tendencia abstracta donde conjuga la emoción y su particular fascinación por el entorno que lo llevan a expresarse cromáticamente, tal como lo manifestara el propio artista : “Siempre he creído que a Lima le falta color…y creo que en una ciudad tan gris (a pesar que me encanta) es  necesario salir fuera de lo común”. 
Una pequeña-pero muy interesante-exposición de este joven artista peruano que bien vale la pena visitar.

ROSA MARÍA VARGAS R.
Historiadora, Crítica de Arte y Curadora Independiente

Fotos y Diseño: Rosa María Vargas R. © All right© All rights reserveds reserved


Nota: La exposición estará abierta al público hasta el día 22 de noviembre en el “Centro Colich”: Jirón Colina 110  - Barranco. Lima, Perú.

miércoles, 5 de noviembre de 2014

Rosa María Vargas - Exposición "Celebratio Vitae" -Galeria Don Bosco - Salestec- Reportaje del programa "Metrópolis" de Tv. Perú , Canal 7 .

Reportaje del programa Metrópolis de TV. Perú Canal 7, emitido el miércoles 5 de noviembre del 2014, a la Exposición "Celebratio Vitae" que se viene llevando a cabo en la Galería Don Bosco-Salestec, desde el 29 de octubre al 08 de noviembre.  

Mi más profundo Agradecimiento a la productora del programa "Metrópolis" y a su equipo de producción y a la conductora Fátima Saldonid de Revoredo por la difusión de esta en su tan sintonizado programa que difundde el arte y la cultura.


sábado, 1 de noviembre de 2014

Exposición colectiva de arte CELEBRATIO VITAE- Artículo de la página Web de la Fundación Don Bosco. Curadora: Rosa María Vargas

 Artículo de la página web de la fundación Don Bosco que acabo de descubrir en la cual reseñan la exposición en la que fui curadora:  "Celebratio Vitae"  y donde participaron los artistas: Charo Noriega, Lennin Vásquez, Germán Chinen, Iván Huerto, Guzmán Emilio Huanca Yanarico, Paul Beraún, Andoni Altamirano, Walter Anicama, Joseph de Utia, Ana Margarita Manzo (México), Elsa Saravia, Rosario Córdova, Rodolfo Bragagnini, Aldo Bonilla Di Tolla, Juan Bautista, entre otros:



LA "FUNDACIÓN DON BOSCO" APOYANDO EL ARTE PROMUEVE LA EXPOSICIÓN COLECTIVA “CELEBRATIO VITAE”
Jueves 30 de Oct del 2014


Conmemorando el Bicentenario del Nacimiento de San Juan Bosco se inauguró la muestra colectiva “Celebratio Vitae” (celebrando la vida) que reúne las obras de destacados artistas  plásticos y de los Artesanos de Don Bosco, como un homenaje al Santo de la Juventud.
La exposición se inauguró el miércoles 29, en la Galería de Arte Don Bosco, ubicadas al interior del Instituto Salesiano de Breña (Salestec) y que se ha implementado recientemente.  Con la exposición “Celebratio Vitae” se unifican el valor de la vida en toda su diversidad y hacen alusión al nacimiento del fundador de la familia salesiana.

La bienvenida estuvo a cargo del Padre Vicente Santilli SDB, director del Instituto Salesiano, anfitrión del evento. Destacó las vivencias de Don Bosco como promotor del arte y la cultura, para el servicio de los jóvenes. A su turno la curadora de la obra, la historiadora y crítica de arte Rosa María Vargas, expresó su alegría por el reto de asumir esta exposición en homenaje a Don Bosco y el de hacer realidad la implementación de esta flamante galería, donde hoy exponen artistas nacionales e internacionales, entre ellos varios exalumnos salesianos.

Las obras que se exponen en la galería pertenecen a los  artistas: Charo Noriega, Lennin Vásquez, Germán Chinen, Iván Hueto, Guzmán Emilio Huanca, Ricardo Díaz, Paul Beraún, Augusto Díaz, Adoni Altamirano, Walter Anicama, Joseph de Utia, Ana Margarita Manzo (México), Elsa Saravia, Rosario Córdova, Rodolfo Bragagnini, Aldo Bonilla, Aldo Bonilla Di Tolla, Juan Bautista, Carmen Callegari, Victoria Gonzales y Berta Lavado.

La exposición estará abierta hasta el 8 de noviembre, de lunes a sábado de 9:00 am a 7:00 pm, en el Instituto Salesiano, av. Brasil 210 Breña. El ingreso es libre.
http://www.fundaciondonbosco.org.pe/fdb/noticia/la-fundacion-don-bosco-apoyando-el-arte-promueve-la-exposicion-colectiva-celebratio-vitae

jueves, 30 de octubre de 2014

EXPOSICIÓN COLECTIVA " CELEBRATIO VITAE " - GALERÍA DON BOSCO , LIMA- PERÚ.


Ayer miércoles 29 de octubre se llevó a cabo la exposición "Celebratio Vitae" en la galería Don Bosco que estuvo bajo mi curaduría no solo en la convocatoria de la mayoría de artistas, sinó también en la remodelación del espacio destinado a la galería . Mi más profundo agradecimiento a los artistas participantes en esta exposición : Charo Noriega, Lénnin Vásquez, Guzmán Emilio Huanca "Yanariko", Ándoni Altamirano Naveros, Paúl Beraún, Germán Chinen Murata, Joseph de Utia, Ana Margarita Manzo "Ana Mar'"(México), Walter Anicama Zamora, Iván Huerto Zamora, Rosario Córdova,  Elsa Saravia, Diaz Mori, Pedro Fernandez, Juan Bautista, Diaz Callegari, Marino Valenzuela, Felix Espinoza, Berta Lavado, Carmen Callegari, Enrique Bonilla, Victoria Gonzales (Coco), Rodolfo Bragagnini, Aldo Bonilla Di Tolla, Graciela Mendoza Diaz, Martha Torres y  los artesanos de Don Bosco. También agradezco al público asistente a la exposición. Saludos!
 














miércoles, 29 de octubre de 2014

Entrevista Radial en el programa "Meridiano", que dirige Carlos Fernández Loayza en Radio "Filarmonía"F.M.

 Entrevista que me realizó el día lunes 27 de octubre, Carlos Fernández Loayza en su programa: "Meridiano" , en Radio Filarmonía F.M.  . Gracias, Carlos por darme algunos minutos de tu programa para difundir la exposición "Celebratio Vitae" de la Galería Don Bosco,  bajo mi curaduría


martes, 28 de octubre de 2014

Rosa maría Vargas -Galería Don Bosco - Proceso de remodelación del espacio

 Cuando me pidieron que me encargara de transformar una antigua biblioteca de 250 m2, en una galería de arte y además encargarme de la curaduría de su primera exposición-a la cual titulé "Celebratio Vitae"- acepté el reto. Tuve que dirigir toda de remodelación del espacio desde cero: Tapiar algunas puertas y ventanas, cambiar el antiguo cableado eléctrico y reemplazar la antigua iluminación por una adecuada para galería, cambio del color de la pintura del ambiente destinado para ello etc.etc. Desde hace un mes estuve supervisando cada tarde durante mis horas libres, y pese a algunos inconvenientes(como el presupuesto, por ejemplo), igual ha valido la pena y muy pronto podrán apreciar este nuevo espacio de arte en Lima. Documenté gráficamente todo el proceso y aprovecho para agradecer al equipo que tuve a mi cargo para las tareas asignadas y asimismo, a los artistas participantes en esta exposición. Saludos!




                                                                                      
























miércoles, 22 de octubre de 2014

Mi impresión acerca de la exposición "José Gil de Castro, Pintor de los Libertadores", en el Museo de Arte de Lima (MALI)


El  21 de octubre del 2014 se inauguró en el Museo de Arte de Lima (MALI) la exposición retrospectiva más importante, del Perú, y  de Sudamérica: "José Gil de Castro, Pintor de los Libertadores", en el Museo de Arte de Lima,  cuya acertada curaduría estuvo a cargo de Natalia Majluf, directora de dicha institución. Esta exposición está constituída  por lienzos de la producción del artista que se encuentran en el Perú (en su mayoría, los que conforman parte de la pinacoteca del Museo Nacional de Arqueología, Antropología e Historia del Perú de Pueblo Libre y que han sido cedidos para dicha muestra), así como también otros lienzos del  pintor que forman parte de colecciones públicas y privadas en Chile y Argentina, países donde también se exhibirá esta misma exposición de carácter itinerante, Iniciándose actualmente  en Perú, y posteriormente  se exhibirá  en Chile y  Argentina a principios del  2015.

José Gil de Castro Morales (Lima-Perú,1785 - Chile,1837).
Pintor Mulato, hijo de José Mariano Carvajal Castro y de María Leocadia Morales, una esclava liberada años antes del nacimiento de su hijo José Gil, quien se iniciara en su adolescencia como pintor agremiado, siendo discípulo, del pintor colonial Pedro Díaz (cuya actividad artística data de 1770 a 1815, tomando como referencia las obras producidas en ese período de tiempo) Y del cual Castro aprendería a pintar motivos religiosos, que a fines del siglo XVIII eran requeridos aún por la iglesia y luego la demanda decaería principalmente a que la iglesia optó por retirar su mecenazgo a los talleres de pintura y dedicarse a la adquisición de tierras de cultivo y reconstrucción de iglesias afectadas por los terremotos acaecidos a fines del siglo XVII y durante el siglo XVIII. A comienzos de la década de 1810  se iniciaría su carrera militar, llegando a ser “Capitán de milicias disciplinadas de la ciudad de Trujillo y agregado al cuerpo de Yngenieros” (sic). A inicios de 1817, el ejército Libertador vence a al ejército realista español en la batalla de Chacabuco y se le otorga a Gil de Castro el rango de Capitán de fusileros del batallón Infantes de la patria, conformado por afrodescendientes que se sumaron a la causa independentista en Santiago de Chile. Tuvo también oportunidad de trabajar en el ejército independentista como cartógrafo, cargo oficial que se le otorgaría después al nombrársele Cartógrafo oficial del ejército Libertador y posteriormente del naciente ejército peruano. Sus  viajes  al lado de los libertadores (en especial al lado de Don José de San Martín), fueron  propicios para que el artista conociera otros estilos pictóricos que influenciarían en su estilo, pues el estilo de la pintura colonial chilena era mucho más europea en comparación con la pintura colonial de Lima y Cuzco, además de haber conocido la obra de pintores europeos afincados en Chile que llegarón a ese país durante la colonia cuando el inciador de esta “importación” de artistas, el sacerdote jesuita Karl von Haimbhausen (o Carlos Haimbhausen) religioso de origen Alemán, quien llegó a mediados del siglo XVIII, trae consigo el arte europeo y junto a Fermín Morales y Ambrosio Santelices son considerados los primeros pintores profesionales de la gobernación de Chile y posteriormente su técnica y parámetros estéticos europeos influyeron en el resto de los pintores coloniales hasta el siglo XIX. Dentro del contexto chileno de ese entonces, más o menos en 1813, aparece Gil de Castro y dada su celebridad ,y  teniendo al retrato como tema principal, se le considera el iniciador de un nuevo período en la historia de la pintura en dicho País.

Su actividad en el ejército libertador, el entorno de los libertadores y su matrimonio con   una dama Chilena le hicieron escalar socialmente  y a Ello se debe que  destacara  y  obtuviera  prestigio como retratista dentro de una sociedad privilegiada. Los principales encargos recibidos  provenían de  miembros de la aristocracia peruana y chilena quienes conformaban una nueva elite política y social en el Perú y Chile de inicios del siglo XIX, altos funcionarios de la corona española, como también de los caudillos militares de entonces que luchaban por la libertad de los países de Sudamérica que se encontraban bajo  el  dominio  de la corona española. Se convierte en el retratista oficial del libertador Don José de San Martín y de O'Higgins. De regreso al Perú, realiza algunos encargos importantes como el primer retrato de Don José de torre Tagle. Tras la victoria de Ayacucho, que liberaría a los peruanos del yugo español en 1824, Gil de Castro se convertiría en el retratista favorito del libertador Simón Bolívar.   Dentro de dicho contexto surge en el Perú una nueva tendencia dentro de la temática pictórica de entonces: El retrato, el cual cobra importancia porque además de ensalzar la figura de los héroes de la independencia, y además sirvió a una nueva élite como un medio que les permitiera  el  poder hacer alarde  de su nueva  posición Social, económica o política.

Entre las obras más representativas de José Gil de Castro y que tenemos oportunidad de apreciar en esta exposición se encuentran: Los retratos del Capitán Bernardo O’Higgins, de Don José de San Martín, del libertador Simón Bolívar, del Marqués de Torre-Tagle y del mártir José Olaya, primer personaje mestizo en ser  inmortalizado en un retrato gracias  a su participación en la causa independentista y otros retratos de personajes de la vida social y funcionarios de gobierno y caudillos militares tanto de Perú y Chile.


Definir el estilo de Gil de Castro es algo complejo, es un hecho que su tendencia retratista era coyuntural. Técnicamente posee una paleta de óleos en tonos intensamente rojos, verdes y azules (dependiendo de los detalles del atuendo militar o ropas usadas por los retratados) que contrastan con el claro oscuro  de sus fondos en veladuras sienas y tonalidades frías, pero posee una pintura bidimensional es decir, muy plana con respecto a la obra de otro contemporáneo suyo: Pablo Rojas, cuya única obra conocida es la del retrato de cuerpo entero de  Simón Bolívar realizado en 1825 (obra que además se ha incluido en esta exposición, aunque suponemos que sea porque ambos pintores plasmaron la figura del libertador en lienzo y asimismo, se desarrollaron dentro de un contexto y coyuntura similares y que de algún modo, el tener ambas obras una al lado de la otra nos permite hacer un análisis  comparativo entre el estilo pictórico de ambos y que-valgan verdades- apreciamos un mejor manejo técnico por parte de Pablo Rojas  tanto en el volumen, un mejor manejo de luces y sombras, como un  trazo menos marcado que el de Gil de Castro quien curiosamente fue más reconocido que Rojas debido a sus vínculos con el poder.

Aunque técnicamente La técnica de Pablo Rojas es superior a la de Castro, lo más relevante de la obra de José Gil de Castro radica en su evolución, abandonando el perfil religioso de sus inicios  y alcanzar un valor histórico, de un caríz cada vez más nacionalista.  Su arte iba de la mano con la época, el entorno y los acontecimientos que le tocó vivir: el ocaso de la vida colonial (de pintar escenas religiosas, a pintar personajes aristocráticos) y  por ende a la transición hacia una vida republicana, inmortalizando en la mayor parte de su obra,  a sus protagonistas: aquellos hombres y mujeres que lucharon por tener una sudamérica libre e independiente y que gracias a Castro, sus figuras se han convertido en íconos que constituyen parte importante de nuestro imaginario, dando inicio además, a una nueva etapa de la historia del arte Peruano, de Chile(donde es considerado un referente importante dentro de  su historia del arte) y en general, de la pintura  Republicana Sudamericana, que Hoy el MALI, exhibe en una muestra única en su género.


ROSA MARÍA VARGAS R.
Historiadora, Crítica de Arte y Curadora Independiente.

Fotografías y diseño: Rosa María Vargas R.© All rights reserved


NOTA: La exposición estará abierta hasta el 22 de Febrero del 2015, en el Museo de Arte de Lima (MALI), Paseo Colón 125 Lima – Perú. En el siguiente horario: de Martes a  Domingo de 10:00 a.m. a 8:00p.m., y los sábados de 10:00 a.m. a 5:00 p.m.

Agradecimiento:
 Al personal del Museo de arte de Lima (MALI), por permitirme fotografiar algunos planos generales de la exposición, para ilustrar este presente artículo.

sábado, 18 de octubre de 2014

Mi apreciación acerca de la exposición“El futuro es nuestro y/o por un pasado mejor, 1983-1967”, del artista Rafael Hastings en el ICPNA de Miraflores.



El pasado 10 de octubre se inauguró en la galería “Germán Krugger Espantoso” del ICPNA de Miraflores, la muestra retrospectiva “El futuro es nuestro y/o por un pasado mejor, 1983-1967” del artista Rafael Hastings, cuya obra es una exposición antología de sus más destacados trabajos entre las décadas de los sesentas hasta inicios de los ochentas.
 

RAFAEL HASTINGS (Lima-Perú,1945). 
Artista con estudios de Letras en la Universidad Católica del Perú(1960), meses después abandonaría sus estudios en dicha universidad  para realizar estudios de Pintura e Historia del Arte en Lovaina, en la Academia de Bellas Artes en Bruselas y posteriormente en el Royal College of Art en Londres. Su obra ha sido exhibida  en  diversos países del mundo y sus obras forman  parte de colecciones públicas  como en el Museo de la Ciudad de París, el Museo de Arte de Berlín, el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Museo de Arte de Lima y asimismo en numerosas colecciones privadas, como: la colección del Banco Lambert en Bruselas, la colección Jessop en Melbourne, la colección Asuma en Tokio, la colección Elías, Rodrigo & Medrano de Lima, y la colección Fishbourne de Nueva York. Su talento lo hizo merecedor de varios premios  internacionales como el Premio Codex de Pintura Latinoamericana, el Premio de la Bienal de Medellín, el Premio de la Bienal de París y el Premio de la Critica Alemana. Tuvo además el honor  de que su primera muestra fuera presentada por el director de cine Jean-Luc Godard y Maurice Béjart en Bélgica.

Rafael Hastings ha materializado su arte sobre numerosos tipos de  formato, soportes  y técnicas, tales como:  videos, manuscritos, afiches, arte postal, esculturas con sonido, dibujos, instalaciones, y otros obras  que por su naturaleza efímera han sido registradas en archivos documentales de las más importantes galerías europeas y  alguna otra de su etapa de búsqueda personal  la cual no había  sido exhibida anteriormente, La mayor parte de su trabajo se muestra en formato original y en otros casos han sido reproducidas  fielmente o en su defecto se muestran acompañadas de bocetos o copias facsimilares de aquellas propuestas. Buena parte de su  trabajo está basada en la reinterpretación, como en el caso del guión de la pieza teatral “Hamlet” (que realizó para un grupo teatral hace décadas atrás). También son interesantes sus instalaciones que aunque efímeras, son una  visión distinta del artista hacia los fundamentos  y principios de las artes visuales , además de mostrarnos su visión más aguda y conceptual acerca de la crítica de arte, que puede ser apreciado en la exposición que llevaría a cabo en la década de los setentas en el museo de arte italiano donde hace una crítica donde “desmenuza” cada aspecto desde lo privado hasta lo profesional, del crítico Juan Acha (quien anteriormente había criticado la obra de Hastings).

 Su producción artística  se inició dentro de una coyuntura  crítica (históricamente hablando) como lo fueron los años sesentas y los setentas, llenos de cáos y violencia (tanto en el contexto europeo como en el peruano), de los que fue testigo de excepción y que requería de un arte menos conservador.  Hastings apeló al arte como herramienta de su propio lenguaje, haciendo eco de su inconformidad y oposición con respecto a la demanda  de aquel entonces: por el arte tradicional y por ende académico que exigían los galeristas. La  conceptualización  de cada propuesta  predomina en la totalidad de su obra y aunque el arte conceptual  actualmente es una tendencia actual en el Perú, sin duda  Rafael Hastings bien podría ser considerado como un pionero de un  arte "Neo-conceptual" en el Perú y un referente importante de esta corriente en este país que por años ha tenido un avance lento con  respecto a las tendencias vanguardistas, y por lo tanto el hecho de haberse formado fuera del Perú le dio  a Hastings una ventaja de años luz por encima de sus contemporáneos  Peruanos, pero con la salvedad de que el arte de Hastings vá más allá de lo conceptual  y  lo conjuga  con la provocación  produciendo un arte contestatario , que lo lleva a replantear  su obra  e intentar alejarse de lo meramente conceptual (etiqueta que el artista rechazó), cuyo mensaje consistía en la creación de un arte menos elitista, un estilo en el que se pueda prescindir del goce estético, priorizando el mensaje escrito muy por encima de la ornamentación y los parámetros estéticos. Pese a haber desarrollado buena parte de su producción en Europa, la temática Peruana también se hace presente en esta exposición.

En conclusión, obra de Hastings es una liberación de toda atadura académica, forma parte de su rebeldía e idealismo apelando a un tipo de arte que consigue mimetizar sus raíces académicas y lo vanguardista, dando como resultado un estilo atemporal. Su trabajo podría definirse como multidisciplinario pues abarca desde el dibujo y la pintura, hasta la música, la literatura, la dirección teatral, la danza  y la producción  audiovisual, todos ellos realizados con precisión y dominio en el empleo de cada técnica.  La importancia de su trabajo artístico radica en el énfasis que el artista le dá al  mensaje, lo que nos lleva a definir su trabajo como la concepción de aquel pasado y del  futuro del arte bajo su propia percepción y convicción.

Rosa María Vargas R.
Historiadora, Crítica de Arte y Curadora Independiente.

Fotografías y diseño: Rosa María Vargas R.  © All rights reserved


NOTA:  La muestra estará abierta al público hasta el día 23 de Noviembre del 2014, en la Galería “Germán Krugger Espantoso” del ICPNA:  Av. Angamos Oeste nro 160, Miraflores-Lima, Perú en el siguiente horario: de Martes a Domingo de 11:00a.m.  a 8:00 p.m. 
 

miércoles, 8 de octubre de 2014

MI IMPRESIÓN ACERCA DE LA EXPOSICIÓN RETROSPECTIVA "RARA AVIS", DEL ARTISTA JAIME MAMANI, EN EL CENTRO CULTURAL "INCA GARCILASO" DEL MINISTERIO DE RELACIONES EXTERIORES DEL PERÚ.



Desde el  pasado  de septiembre se viene llevando a cabo en el centro cultural Inca Garcilaso, del Ministerio de Relaciones Exteriores del Perú, la exposición retrospectiva  “Rara Avis”, del  artista plástico Jaime Mamani, quien debido a su trayectoria nos presenta una selección  de obras que forman parte de su destacada  producción artística.

JAIME MAMANI VELÁSQUEZ(Puno - Perú, 1964). Artista Plástico Profesional egresado de la Escuela de Artes Plásticas de la Universidad Nacional de San Agustín (UNSA) de Arequipa y con estudios en el Taller de Dibujo y Pintura “Intermezzo”, de Luis Solorio. Tiene en su haber diversas exposiciones individuales, entre ellas: en la galería del Centro Cultural Chaves de la Rosa de la UNSA, en la Casa de América Latina (Lisboa, 2006), en y en la  Galería Trapecio (Lima, 1999). Asimismo, ha participado en varias exposiciones colectivas, tanto en el Perú como en el exterior siendo una de las más importantes en la que formó parte en galería del Moulin Marcoux (Quebec, 2002). Paralelamente a su labor artística, en la actualidad también se dedica a la  docencia en artes plásticas en el Instituto” Thomas Jefferson” de Arequipa.

Su técnica es limpia, con precisión en las líneas del dibujo; de técnica  académica, sin duda, pero que  contradice los cánones estéticos impuestos por ésta y que se aprecian en ciertas desproporciones anatómicas y en los rostros de sus grotescos personajes, y que, en consecuencia parecieran  otorgarle  cierta  atmósfera renacentista a su obra,  para ser más precisos: de la escuela flamenca (Flandes-Países bajos, siglos XV y XVI) trayendo a nuestra memoria visual obras de los más representativos artistas de aquella etapa como los hermanos Jan Van Eyck (Bélgica,1390-1441) y  Hubert Van Eyck (Bélgica 1366–1426).  

 Mamani hace gala de una estética inspirada en aquella etapa de la pintura y su obra posee una atmósfera gótica, oscura, de penumbras, efecto que consigue gracias a las  veladuras que emplea para las sombras o para matizar el color de fondo lo que consigue al tener en su paleta una  variedad cromática de tonos brillantes (propios también de la escuela flamenca) hasta gamas de sienna, también denota un buen manejo de luces resaltando algunos detalles o la figura central en cada lienzo. La obra de Mamani también posee carácter mágico-surrealista, el cual nos hace evocar aquellos lienzos de Francisco de Goya (España, 1746), inspirados en las leyendas y seres mitológicos (además de sus célebres retratos) a quien  el pintor Salvador Dalí  catalogara como ”el primer pintor surrealista de la historia”,  y del que incluso haría su propia reinterpretación  de sus famosos grabados, que  décadas más tarde formara parte de una exposición itinerante por varios países, incluyendo el Perú en una exposición que se llevó a cabo en el año 2012 en el Centro Cultural de la Universidad Católica y que llevó por título: ”Goya-Dali…Del capricho al disparate”.  

Si hacemos un paralelismo comparativo entre la obra de Goya y de Jaime Mamani, ambos tendrían como denominador común una obra oscura, grotesca  donde además del retrato, plasman y evidencian los vicios, las miserias humanas y a fantasías oníricas,  planteadas con cierto sarcasmo y humor.  Aunque a diferencia de los anteriores, Jaime Mamani toma como punto de partida  los rasgos de una creación propia : una rara ave o “rara avis”(con la cual titula esta muestra) tomando como referencia sus facciones grotescas y detalles tan hiperrealistas , que consigue plasmar en cada uno de sus lienzos, Tal como lo explica el propio artista: “la imagen es una rara avis una etapa intermedia entre los reptiles y las aves comunes que conocemos algo así como un Archaeopteryx claro bajo mi punto de vista”.  Asimismo, la temática de algunos de sus lienzos  apela a lo  mordaz y  a la  ironía, un claro ejemplo de Ello es su obra titulada: “pensamiento prematuro”, donde aparece un neonato de grotescos rasgos con un cenicero a su diestra y un cigarrillo entre sus dedos.
 

Observar y hacer una semiósis de la obra de Jaime Mamani es una experiencia complejamente grata: tanto por el  carácter polisémico de su significado y su impecable técnica y “oficio”,  y aunque se trata de una exposición retrospectiva , En un futuro cercano, el  artista bien podría arriesgar mucho más con su pintura y dotarla de nuevas propuestas temáticas que nos transporten a una dimensión donde lo  tradicional se conjugue con la libertad creativa, que rompa esquemas, algo que le permitirá destacar aún más, dentro del circuito artístico peruano.

Rosa María Vargas R.
Historiadora, Crítica de Arte y Curadora Independiente.

Fotografías y Diseño: Rosa María Vargas R. © All rights reserved
 

NOTA: La muestra permanecerá abierta al público hasta el 9 de noviembre de martes a viernes de 10 am a 8 pm, y sábados, domingos y feriados de 10 am a 6 pm, en el Centro Cultural Inca Garcilaso, del Ministerio de Relaciones Exteriores del Perú (Jirón . Ucayali 391, Lima-Perú).

sábado, 27 de septiembre de 2014

MI APRECIACIÓN ACERCA DE LA EXPOSICIÓN RETROSPECTIVA "IN THE STUDIO", DEL ARTISTA PIERO QUIJANO PIMENTEL

   
 
Desde el  pasado 24 de septiembre del 2014, se viene llevando a cabo la exposición retrospectiva “In the studio”, del artista Piero Quijano, en la Luis Miró Quesada Garland de la Municipalidad de Miraflores, la cual consiste en una selección de sus obras más representativas en las técnicas del óleo y acrílico sobre lienzo, triplay y otros derivados de la madera, que fueron realizadas entre los años 1989 al 2009.

Piero Quijano Pimentel (Lima-Perú, 1959) Destacado Artista e ilustrador, con estudios de artes plásticas en la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú y de Historia del arte en la Universidad Nacional Mayor de San Marcos. Desde hace varios años viene laborando en medios de prensa escrita como ilustrador, labor que le ha dado notoriedad, debido a la  temática coyuntural de cada una de sus ilustraciones y que incluso lo llegaría a convertir en víctima de la censura cuando el gobierno de turno, bajo la figura del otrora "Instituto Nacional de Cultura", obligara a retirar el afiche de su exposición antológica "Dibujos en prensa 1990 - 2007" e incluso vetaron la misma, que se llevaría a cabo en la “Casa Museo Mariátegui”, donde exhibía sus memorables, y algo controvertidas ilustraciones, publicadas en medios de prensa escrita allá por el año 2007.
 
En esta exposición retrospectiva, (La cual difiere temáticamente de sus críticas ilustraciones), presenta diversas pero muy interesantes series: la primera, muestra una estética singular, de trazos sueltos y rígidos, de una variedad cromática marcadamente expresionista que consigue al emplear el color en su estado más puro sobre un fondo neutro, con los que reproduce la Lima urbana de los 80 y 90’s tanto en su paisaje lleno de contrastes en su arquitectura e iconografía.

Otra serie que sin duda alguna es la que más destaca, se pueden observar los diversos biotipos de la gente de nuestra tierra, la de aquellos migrantes de las zonas andinas y amazónicas quienes dieron matíz distinto a una Lima convulsionada, llena de prejuicios y discriminación-de la que fueron objeto-durante varias décadas(y que aún hoy, discretamente persiste.) sus lienzos registran el cómo éstos van adoptando una forma de ser y estar más “occidentalizada” alejándolos cada vez más de sus usos y costumbres procedentes de sus orígenes  andinos o amazónicos en quienes se produce una forma de “alienación”, que se evidencia en sus nuevos gustos musicales, y en la moda de influencia estadounidense y europea.

También observamos una serie realizada sobre triplay pintado y recortado, que reproduce a jóvenes mestizos de  la Lima de fines del siglo XX en pleno despertar sexual y su interacción con el sexo opuesto; y por último, una serie mucho más personal, donde plasma su predilección por el Jazz y el Rock and Roll, de todos los tiempos.
Si apreciamos detenidamente algunas de las series de Piero Quijano, podríamos atrevernos a hacer un paralelismo en lo referente a la temática y en el empleo del color con respecto a la obra del pintor Camilo Blas (Cajamarca-Perú1903 - Lima,1985), discípulo de José Sabogal(Cajamarca-Perú, 1888 – Lima 1956) pero, a diferencia de este, no retrató únicamente al hombre del ande, también retrató los diversos tipos étnicos del Perú dentro de su entorno natural : costa , sierra y selva, en cambio Piero Quijano lo hace desde un contexto urbano: una mirada a la realidad del migrante andino, del amazónico y de los afrodescendientes dentro de la Lima ochentera del siglo XX. Igualmente, Camilo Blás empleaba un color sin demasiadas mezclas o “sin cocinar”, también gustaba de la música, en especial de la música criolla e incluso inmortalizó algunas escenas de la jarana criolla limeña, en el caso de Piero Quijano, primero nos muestra a los jóvenes peruanos de tres décadas atrás adoptando otras preferencias musicales foráneas y al mismo tiempo  nos traslada a una atmósfera mucho más cosmopolita al inmortalizar a los íconos del jazz y el rock and roll, quienes irónicamente, pese a su fama y talento fueron también fueron víctimas de la discriminación dentro de los círculos sociales de su país por el hecho de ser en mayoría, Afroamericanos.
 
En conclusión: La obra de Piero apela a nuestra memoria, evocando  aspectos interesantes y cotidianos de una Lima cada vez más lejana y además, es una revaloración de nuestra pluriculturalidad y multietnicidad, resaltando la fuerza, el trabajo y la belleza de los hombres y mujeres oriundos del Perú, alejándolos de estilizaciones y mostrándolos tal como son en todos sus aspectos.

El trabajo artístico de Quijano contradice los cánones estéticos tanto a nivel técnico como en la temática: predominantemente de trazo fuerte  y mostrando una Lima con diversidad étnica. Sus personajes están alejados-debido a su biotipo- de los parámetros de belleza europea, que tanto artistas, medios de comunicación masivos como la propia sociedad impusieron en el imaginario local (y que aún hoy  persiste discretamente). Tanto en la década de los ochentas como en la Actualidad es tan común ver a hombres y mujeres de orígenes andinos que de forma consciente o inconsciente niegan su propia identidad, algo que más allá de la  vanidad, surgiría por la  necesidad de ser aceptado y valorado, tanto en el ámbito social como en el laboral, en una época en la cual una tez clara era sinónimo de “Buena Presencia” y que de algún modo condicionó al peruano promedio a intentar ser “blanco”, tal como lo ha manifestado en sus propias palabras el artista Piero Quijano:  “…Quise tratar de registrar momentos de intensidad y belleza que aparecían intermitentemente en la cara de las chicas y los muchachos que transitaban por la gran ciudad de Lima(una juventud que no pasaría el previsible “casting” de la publicidad local ni del confort de la clase media peruana de hace veinte años- ni de ahora). Belleza y confort que se escondía entre una muchacha bonita y sin oportunidades…” .
 
La obra de Diego Quijano es un testimonio gráfico de una Lima de las últimas  décadas del siglo XX y de inicios de esta nueva centuria: de sus cambios demográficos y de la diversidad, de aquella Lima racista  pero de imponente arquitectura que contrastaba con la espontánea sencillez en el diseño de las construcciones de los populosos distritos (algunas de esas grandes edificaciones, ya desaparecidas) que gracias a su arte, Piero Quijano ha conseguido inmortalizar y asimismo crear conciencia a las nuevas generaciones de peruanos con su  trabajo artístico que aunque cronológicamente pertenece a otro contexto de nuestra historia, continúa invitándonos a la reflexión y a revalorizar muestra identidad en este emergente siglo XXI.

Rosa María Vargas R.
Historiadora, Critica de Arte y Curadora Independiente.
 
Fotografías y diseño: Rosa María Vargas R. © All rights reserved
 
 
NOTA: La exposición continuará abierta al público hasta el 23 de Octubre, en la sala Luis Miró Quesada Garland: Av Larco 400, distrito de Miraflores - Lima,Perú dentro del siguiente horario: De Martes a Domingo desde las 11:00 a.m. hasta las 10:00 p.m.

sábado, 30 de agosto de 2014

MI APRECIACIÓN ACERCA DE LA EXPOSICIÓN "EL PEQUEÑO HUKUSAI (Y OTRAS HISTORIAS)", DEL ARTISTA EDUARDO TOKESHI.


La galería Fórum inauguró el pasado 20 de agosto del 2014, la exposición titulada “El pequeño Hokusai (y otras historias)”, del artista Eduardo Tokeshi, quien presenta obras en diversos formatos, dimensiones y técnicas.
EDUARDO TOKESHI (Lima-Perú, 1960) Artista visual, con estudios de Arquitectura en la Universidad Nacional Federico Villarreal (1978-1980), y en la Facultad de Artes en la Pontifica Universidad Católica del Perú (1981-1986). Actualmente labora como docente en esta última universidad. Entre los Premios más importantes de su carrera destacan:  Primer Premio, II Salón Nacional de Dibujo, ICPNA(Lima,1986), II Concurso Nacional de Artistas Jóvenes, Southern Perú – ICPNA (Arequipa, Perú,1987), Mención Honrosa, 27º Festival Internacional de la Peinture, Château-Musée de Cagnes-sur-Mer, (Cagnes-sur-Mer , Francia ,1995), Primer puesto, Salón Internacional de Estándares ES96,( Tijuana- México,1996). Ha tenido la oportunidad de participar en varias bienales de Arte en países como Chile, Ecuador, Brasil, Cuba Uruguay, Santo Domingo, Puerto Rico, Estados Unidos, Italia  y Francia.

En la actualidad Tokeshi ha venido replanteando su trabajo y ha conseguido reinventarse y dejar atrás aquel arte, que en su caso, más que político, era un arte con responsabilidad social; transmitiendo en aquella etapa (1984–1994) su preocupación e indignación por la violenta coyuntura de aquellos días. El  arte de Tokeshi  ha evolucionado, a diferencia de algunos artistas que aún en pleno siglo XXI, insisten en la temática política recurrentemente contextualizada en los pasados ochentas o noventas, quienes han convertido su obra en un descarado panfleto político, desfasado e incoherente, algo que en su momento Tokeshi supo tratar con mesura, sutileza  y altura, pese a la caótica etapa política y social del Perú que le tocó vivir. Edurado Tokeshi tiene orígenes japoneses, para ser más precisos: Okinawenses, Pero su identidad y su sentir  son peruanos, y así lo ha expresado siempre en su obra desde hace varios años, sus memorables instalaciones han sido buena prueba de ello. Actualmente su trabajo se enfoca más en lo personal y lo introspectivo.
 
Para esta reciente propuesta, el artista apela a la memoria y a su propio universo onírico y en esta muestra se visualiza a sí mismo bajo la figura de un “pequeño Hokusai”, “Alter Ego” infantil  de Tokeshi, quien evoca al ilustre  dibujante y grabador japonés, Katsushika Hokusai (Tokio, 1760- 1849), más conocido como Hokusai, cuyo trabajo fue muy importante al igual que su estilo y que décadas posteriores influyera en la obra de pintores occidentales impresionistas  tales como: Henri de Toulouse-Lautrec, Paul Gauguin, Edgar Degas, Vincent Van Gogh y Claude Monet, tanto en la estética del dibujo como en la temática y la composición.
  
A pesar de los distintos contextos tanto históricos, geográficos y cronológicos en los que se han desarrollado artísticamente, sería imposible el no hacer una analogía entre ambos, dado el evidente “paralelismo” existente entre la producción artística de Hokusai y la suya.  Hokusai quien además de ser un maestro grabador y dibujante, ilustraba todo tipo de publicaciones históricas y didácticas, especialmente estampas infantiles, actividad en común que también ha venido realizando Eduardo Tokeshi, ilustrando cuentos, algunos ellos: “Lavandería de Fantasmas”(2010) del escritor peruano José Watanabe, y “Goig”(Edición del año 2005), de los escritores Alfredo Bryce y Ana M. Dueñas; entre otros trabajos editoriales, compaginándolos con su labor docente, lo cual hace que el propio artista se identifique con su imagen, motivos más que suficientes para comprender el “por qué” del título de esta muestra. El propio  Eduardo Tokeshi  lo ha explicado de esta  manera:  “ La presencia de Hokusai en esta muestra es muy extraña: tuve un sueño en donde un Hokusai muy niño jugaba en el borde de un río, en eso se le aparece el fantasma del viejo poeta matsuo basho, el pequeño Hokusai lo mira sorprendido y el fantasma de basho le dice imperativamente: debes dibujar....el sueño (en blanco y negro) acaba ahí y aparece de pronto en la presente muestra...”.
 
Hoy, la tendencia actual por parte de los artistas a nivel mundial es el develar algunos aspectos pasados de su propia vida personal o sueños que reproducen   en su obra. Sin embargo, a mediados del siglo XX, el pintor surrealista Salvador Dalí (España 1904-1989), basó la mayor parte de su obra en la teoría del psicoanálisis y la interpretación de los sueños de Sigmund Freud (Austria, 1856-Inglaterra, 1939) y Carl Jung (Suiza, 1875-1961), temática que ahora ha inspirado  también al propio Eduardo Tokeshi.

En algunas series de esta exhibición, Eduardo Tokeshi reconstruye su pasado, haciendo énfasis en su niñez y adolescencia, y por ende el carácter lúdico de esta propuesta es más que evidente en los elementos que forman parte en la composición de su trabajo: rostros y personajes de claros rasgos asiáticos, un mundo de fauna animada, dibujos basados en cuentos  y  fábulas lo cual pone en evidencia en su iconografía. Además elabora  íconos con reminiscencias religiosas y políticas, las cuales conjuga con otras imágenes contextualizándolas  dentro de un entorno íntimo e introspectivo, donde saca a relucir sus  gustos,  emociones, y  aquellas historias que han formado parte de su propio imaginario y que le fueron transmitidos  generacionalmente. Tampoco sería de extrañar su interés por aquellas historias provenientes del país del sol naciente como también, de  fábulas  occidentales que han estado presentes en el imaginario de los niños peruanos y a las que sin duda, su gusto infantil no ha sido ajeno. En sus lienzos apreciamos su conexión con la naturaleza y el entorno (otra característica de los dibujos de Hokusai) y su evidente  fascinación por los felinos (los gatos son elementos recurrente en buena parte de esta muestra). Más allá de la temática, el Artista complementa su pintura con una paleta llena de agradables y coloridos contrastes al óleo, el empleo de la tinta china,  la precisión en su dibujo- intencionalmente- de irregulares proporciones. En su dibujo resalta no solo el buen dominio de la técnica, la precisión además de  la  creatividad y diversidad cromática que apreciamos en sus ”cajas retablo” de dibujos superpuestos en capas.
 
La sencilléz de su técnica, estilo y  su gran capacidad de síntesis con respecto al mensaje visual de su obra, lo llevan a centrarse más en la forma y no en el fondo, logrando así, una original estética surrealista y mágica que en la actualidad viene caracterizando  al artista Eduardo Tokeshi, cuyo trabajo aún continúa conservando la calidad, sigue superado nuestras expectativas, y que aún hacen prevalecer su importancia dentro de la historia del arte peruano contemporáneo.
 
ROSA MARÍA VARGAS R.
Historiadora, Crítica de Arte y Curadora Independiente

Fotografías y diseño: Rosa María Vargas R. © All rights reserved

 
Nota: La exposición continuará abierta al público hasta el 6 de Septiembre en la Galería “Fórum”, Av. Larco 1150(sótano), distrito de Miraflores-Lima, Perú.