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domingo, 4 de diciembre de 2016

UN BREVE COMENTARIO ACERCA DE LA MUESTRA ANTOLÓGICA POR LOS 100 AÑOS DE CRISTINA GALVEZ EN LA SALA LUIS MIRÓ QUESADA GARLAND.


El pasado Jueves 01 de Diciembre del 2016, en la sala Luis Miró Quesada Garland de la municipalidad de Miraflores en la ciudad de Lima, Perú;  se llevó a cabo la inauguración de la muestra antológica que conmemora los 100 años del natalicio de la recordada y destacada escultora, además de docente de Dibujo, Cristina Galvez.  La exposición consta de una serie de dibujos, litografías y esculturas de la reconocida artista los cuales dejan patente la calidad de su técnica e importante trayectoria. La acertada dirección de esta muestra estuvo a cargo de Jimena Mora.

CRISTINA GALVEZ (Lima-Perú, 1916-1982) Artista plástica formada en Escultura  y dibujo, cuya formación Europea (entre Francia y Bélgica) con maestros de la talla de Mauride, Van der Stecken, André Lhote y Margueritte Lavrillier entre otros, fueron decisivos en su desarrollo artístico. De regreso al Perú estudia por un tiempo breve en la Escuela Nacional de Bellas Artes (1936-1938) y  además, en 1939 formó parte de aquel movimiento artístico peruano denominado “Los independientes” al lado de Ricardo Grau, Macedonio de la Torre, Sérvulo Gutiérrez y Juan Manuel Ugarte Elespuru.  Posteriormente, en 1952, cursó estudios de arte en The Art Students League of New York  y así mismo obtuvo la  beca Rockefeller.

Años más tarde, y ya como una consumada escultora, en la década de los setentas impartirá clases de dibujo en su Casa-taller en el distrito de Miraflores, en Lima.  Entre quienes fueron sus alumnos destacan: Sonia Prager, Margarita Checa, Bruno Zepilli Gino Ceccarelli, Charo Noriega, Armando Williams, Rhony Alhalel, entre otros.

En esta bien lograda exposición antológica, observamos algunas piezas escultóricas, dibujos y  litografías de una de sus series más destacadas: “tablero de ajedrez” y en dichas técnicas se puede apreciar la influencia del dibujo tradicional europeo que nos remite a artistas como “El Bosco”, por ejemplo; además de advertir una recurrente estética de lo grotesco de sus estilizados, e híbridos personajes  enmarcados dentro de una atmósfera violenta y surrealista de sus litografías, mientras que en sus dibujos y escultura los dota de una fuerte carga emotiva y características andróginas; y el común denominador de toda su obra radica en la precisión de la línea, aún cuando ésta es suelta, la misma denota el resultado de su habilidad y por supuesto: de su formación académica; en suma,  rasgos que han venido caracterizando la producción de la artista a través del tiempo. Y si agregamos a lo antes mencionado, su legado en la metodología en la enseñanza artística, estamos ante la obra de un referente importante de la escultura moderna y del dibujo en el Perú del siglo XX. Una exposición que merece visitarse.


ROSA MARÍA VARGAS R.                                     
Historiadora, Crítica de arte y Curadora independiente.

Fotos y diseño: Rosa María Vargas R.

NOTA: La exposición estará abierta hasta el día 14 de Diciembre del 2016 en la Sala Luis Miró Quesada Garland: Av Jose Larco 450, Miraflores - Lima 18, Perú. 

domingo, 6 de noviembre de 2016

Unas breves líneas acerca de la exposición bi-personal ORIGINARSE, de las Artistas Ana Balcázar y Cristina Flores en la Galería del Centro Cultural CAFAE-SE en San Isidro.



El pasado día Viernes, 04 de Noviembre del 2016, se llevo a cabo en las Galerías 1 y 2 del Centro Cultural CAFAE-SE la exposición bi-personal ORIGINARSE, de las artistas Ana Balcázar y Cristina Flores, ambas egresadas de la Facultad de Arte y Diseño de la Pontifica Universidad Católica del Perú (PUCP), bajo la curaduría de esta humilde servidora, Rosa María Vargas R.  En dicha muestra, las artistas presentan una serie conformada por dibujos/ilustraciones en tinta sobre papel  y pintura al óleo / técnica mixta sobre lienzo, creando  texturas inspiradas en la naturaleza y en macro-micro universos que se mimetizan y de los cuales, surgen personajes y elementos que emergen de la introspección de ambas artistas. 


·         Ana Balcázar Bartra (Lima, 1984), Artista visual multidisciplinar con estudios en pintura y escultura en la Pontifica Universidad Católica del Perú. Entre sus últimas exposiciones destacan: (2016) “Rumiqolca: El despertar de una cantera” Ministerio de Cultura, Lima; “Salón de Pintura Peruana en California” Latino Art Museum, Pomona; “Ars Amandi 2016 Expo de Docentes”, Sala de Exposiciones de Toulouse Lautrec, Lima; “Aún Aquí”, Sala de exposiciones de Dédalo Arte y Artesanía, Lima.

·  Cristina Flores Pescorán (Lima, 1987). Artista visual multidisciplinaria y performer egresada de la especialidad de pintura en la Pontifica Universidad Católica del Perú, cuyo trabajo reflexiona a partir de la identidad. Entre las exposiciones que tiene en su  haber destacan: “Manos creadoras: Manos de Mujer. Galería Juan Pardo Heeren, ICPNA (2016); “Salón de Ilustración IMAGENPALABRA”, Sheraton Lima Hotel & Convention Center (2016);"II Festival de videoarte + performance + audiovisual" en Casa de la Literatura Peruana (2016); “XXV Premios de Derechos Humanos “Ángel Escobar Jurado”, Biblioteca  Nacional del Perú (2015).

Quien escribe, por una cuestión de ética profesional, se abstendrá de comentar esta exposición, pero; en su lugar reproducirá el texto curatorial completo que realizó para la misma (en la nota de prensa y en el folleto del evento por razones de espacio aparece solo un breve extracto); pero antes, en nombre de las artistas y el mío propio debo agradecer al Director del Centro Cultural CAFAE-SE, Sr. Luis Gustavo Gonzales Olivos y a su equipo, por el apoyo y facilidades brindadas durante todo el proceso de preparación y realización de esta exposición; Así mismo, nuestro agradecimiento a la periodista Rosana López Cubas del Magazine "Lima en Escena", a JC magazine, a Golpetierra y al Conductor Carlos Fernández Loayza, por la difusión de esta muestra; a Vicky Ávalos Carrillo de la Facultad de Arte y Diseño de la Pontificia Universidad Católica del Perú por las gestiones, difusión del evento y por confiar en mi trabajo curatorial tanto Cicky como a las artistas Ana Balcázar y Cristina Flores. Por último, mi agradecimiento a los asistentes en la fecha inaugural. Del mismo modo, quedan cordialmente invitados a la visita guiada programada para el día viernes 11 de Noviembre (mayor información en la página de Facebook del evento:  https://www.facebook.com/events/241544722915466/ ).     

        Texto de la curadora:

Desentrañar el principio de las cosas ha sido una constante desde tiempos ancestrales. Partiendo de  la cosmovisión de hombres y mujeres de antiguas civilizaciones, el origen de todo lo existente en el universo emanaba de ambas dimensiones: la naturaleza y el cosmos bajo el influjo de un ser o divinidad superior. Desde aquellos milenarios astrónomos, hasta los posteriores teóricos académicos del origen y evolución de la vida tal como lo hiciera en el siglo XIX Charles Darwin (Reino Unido, 1809) quien publicó El origen de las especies (1859); y en el siglo XX, Stephen Hawking (Reino Unido, 1942) con su planteamiento en torno al nacimiento del universo en su libro Historia del tiempo: del ''Big bang'' a los agujeros negros (1988); cada uno de Ellos, desde su perspectiva, han sustentado múltiples hipótesis acerca  del “Génesis” de la vida humana y del espacio.

Es así como Ana Balcázar y Cristina Flores construyen en esta propuesta una concepción introspectiva del origen recurriendo al discurso visual bajo distintos soportes: C. Flores, mediante el dibujo, “humaniza” a la naturaleza y la representa como pequeños cuerpos que se manifiestan latentes por germinar y buscar su propia identidad; así mismo, le  imprime a sus protagonistas un cierto cariz lúdico; en tanto que, la producción pictórica de A. Balcázar idealiza al cosmos, la galaxia y a las fuerzas de la naturaleza transportándonos a una dimensión etérea, de un sutil misticismo y misterio apelando a una diversidad cromática (como medio de lenguaje) rebosante de armonías y de sutiles contrastes bajo su expresiva manera de aplicar el color.

En conclusión: ORIGINARSE es el resultado  de la unión de dos contextos paralelos bajo una misma concepción: la del origen de la vida, aunque ésta no está planteada desde su ya establecido proceso biológico (nacer, crecer, reproducirse y morir), sino todo lo contrario: es vida que emerge y fluye para luego trascender a través del tiempo y del espacio.

ROSA MARÍA VARGAS R.                        
Curadora De La Muestra                                                       

                                                                                         Lima, 04 de Noviembre del 2016


 



 





 

lunes, 24 de octubre de 2016

Un breve comentario acerca de la exposición MUJER X MUJER, IDENTIDAD O REPRESENTACIÓN, en la Galería de Arte "Sérvulo Gutierrez",en Jesús María.

El pasado día Jueves, 20 de Octubre del 2016, se llevó a cabo en la Galería de Arte "Sérvulo Gutierrez del distrito de Jesús María, Lima-Perú; la exposición: MUJER X MUJER, IDENTIDAD O REPRESENTACIÓN, el cual,  contó con la participación de artistas del Colectivo Artístico Femenino ARTEMISA y algunas artistas invitadas, entre ellas: MARITA PALOMINO, CLARA MERCEDES LIAU HING CASTILLO, ROSA YBONE TELLO PRADO, MARIELLA SARA KAMPOY SILVA, CONSUELO AMAT Y LEÓN, MILA RISPA, VICTORIA EGNEM MAJLUF, ZARELA MESARINA, SILVIA BUENO, ROSARIO ZEGARRA, TANIA YANQUE UGARTE, CECILIA DIAZ NEYRA, ALEJANDRINA CRUZ DONAYRE, BETTY SAAVEDRA, CRISTINA FLORES, CARMEN GRIS TELLO FUENTES Y MARIA LUISA TELLO FUENTES.

La artistas presentaron una serie de obras inspiradas en la mujer y su rol impuesto o con el cual se identifican e idealizan, tal como afirma una de las artistas de dicho colectivo, Marita Palomino: En esta muestra, vamos construyendo reflexiones inspiradas en interrogantes como las que siguen, provenientes del libro “Le Deuxième Sexe” (El Segundo Sexo) escrito por la filósofa Simone de Beauvoir.

La curaduría de la exposición estuvo a mi cargo y por dicho motivo, no considero ético  una autocrítica de mi parte, y por ende, me limitaré a compartir el texto curatorial que redacté especialmente para esta muestra: 

Mujer, término que más allá de las diferencias biológicas y sexuales, nos remitirá también a aquellas distinciones de género dentro de un orden social y cultural asociado a  una imposición de roles vinculados con nuestra función reproductora. A lo largo de la historia, las mujeres han estado confinadas a la más absoluta postergación dentro de los diversos ámbitos de la vida cotidiana y laboral, incluído el mundo del arte: tal es el caso de la escultora Camille Claudel (Francia,1864-1943), dueña de una gran habilidad escultórica y de un discurso transgresor, sin embargo, su trabajo siempre era atribuido a su mentor, el escultor Auguste Rodín(Francia, 1840-1917). Así mismo, el caso de la artista sueca Hilma Af Klint(Suecia 1862-1944), a quien recientemente(luego de 100 años)se le reconoce como la creadora de la abstracción y rompería con la figuración académica antes que Wassily Kandinsky (Rusia, 1866-Francia, 1944)  y  Piet Mondrián(Paises Bajos,1872-U.S.A.1944). Si  en dicho contexto decimonónico europeo el mundo de las artes  plásticas no hubiera estado dominado por hombres, otra habría sido la historia.

Desde entonces, ha sido una constante el definir cuál sería el verdadero rol de la mujer. Una pionera en este tema fué Simone de Beauvoir(Francia,1908-1986), quien en 1949 publicó una serie de ensayos y manifiestos entre los cuales destacaría “El segundo sexo”( “Le Deuxième Sexe”),  en el cual abordaría el  análisis del papel de las mujeres en la sociedad y posteriormente , sentaría las bases para el movimiento feminista.

Inspiradas en la obra de Beauvoir  y  manifestándose a través de  las diversas técnicas y referentes pictóricos que poseen, las artistas del colectivo artístico ARTEMISA buscan  plasmar en esta muestra diversos aspectos del complejo mundo femenino: Como se identifica en su propio entorno real o como se representa  idealizada, buscando su “niña” interior  dentro de una atmósfera lúdica;  contextualizada históricamente o apelando a la síntesis de elementos de la imagen para construir su  propio imaginario femenino.

ROSA MARÍA VARGAS R.           
HISTORIADORA, CRÍTICA DE ARTE Y CURADORA INDEPENDIENTE
CURADORA DE LA MUESTRA
                                                                                  
                                                                                                  Lima, 20 de Octubre del 2016


NOTA: La muestra estará abierta hasta el día 29 de Octubre de; 2016 en la Galería de arte SERVULO GUTIERREZ, de la Municipalidad de Jesús María. Dirección: Av. Horacio Urteaga 535, Jesús María.

jueves, 20 de octubre de 2016

Un breve comentario en torno a la donación de parte de la colección de arte latinoamericano de Patricia Phelps de Cisneros al Museo de Arte Moderno de New York (moMA)


El pasado día lunes, 17 de octubre del 2016, se llevó a cabo en la ciudad de Lima, Perú, la presentación por parte de  los ejecutivos de Llorente & cuenca, firma que trabaja desde hace años con Cisneros Media, quienes además de tener presencia en el mercado hispano de las telecomunicaciones, también poseen una vasta colección de arte latinoamericano. En una de las salas de la firma se realizó una transmisión en tiempo real con el moMA de New York, para presenciar el importante anuncio de un hecho sin precedentes en la historia del arte latinoamericano: la donación de obras de arte por parte Patricia Phelps de Cisneros (CPPC), la cual consta de 150 obras,  al museo de arte moderno de New York (moMA), así mismo anunciaron la creación del "Instituto de investigación Patricia Phelps de Cisneros (Instituto Cisneros) para el arte latinoamericano". Tan importante acto tiene como objetivo posicionar y difundir el arte latinoamericano en Estados Unidos y en todo el mundo; y darles una mayor proyección a los artistas de la región latinoamericana.

Patricia Phelps de Cisneros (Caracas-Venezuela, 1952). Coleccionista y Promotora de las artes, esposa de Gustavo Cisneros (Caracas-Venezuela, 1945) quien, tras contraer matrimonio con éste en el año 1970, comienza a  apreciar el arte de Latinoamérica, el que descubriría en los frecuentes viajes de negocios que realizaran juntos por algunos países de Sudamérica y en los cuales se dedicaría a visitar talleres de artistas y exposiciones. No obstante, su interés inicial por el arte latinoamericano se daría desde muy joven, al observar el crecimiento urbanístico y por ende, el desarrollo arquitectónico de la Caracas de aquellos días: de estilo moderno, sofisticado y cosmopolita, que sería el punto de partida para su ávida búsqueda artística, y tal como afirma la propia Patricia Phelps, aquella tendencia estética le formó su “ojo””. Es así como, en la década de los 70, desarrollaría su gusto por el arte abstracto (tendencia explorada recurrentemente en la Venezuela de aquellos días y paralelamente en otros países de Sudamérica), desde entonces, Phelps ha venido incrementado su colección a lo largo de 46 años y dichas obras las ha venido cediendo a exposiciones temporales de museos en varias ocasiones, con la finalidad de dar a conocer en el mundo el arte de Latinoamérica, la mismas que ahora forman parte de la colección de arte latinoamericano del moMA. Esta importante donación incluye 102 pinturas, esculturas y obras en papel, realizadas entre los años 1940 y 1990 por 37 artistas provenientes de Argentina, Brasil, Uruguay y Venezuela, entre los que se encuentran Carlos Cruz-Diez, pionero del Op-Art (1923), Lygia Clark (Brasil 1920-1988), Joaquín Torres-García (Uruguay, 1874- 1949), Hélio Oiticica (Brasil, 1937-1980);  Lygia Pape(Brasil,1927-2004), Jesús Rafael Soto (Venezuela, 1923-2005), Alejandro Otero (Venezuela, 1921-1990),  entre otros. Dichas obras se unirán a las 40 piezas donadas al MoMA por Patricia y Gustavo Cisneros, durante los últimos 16 años. Del mismo modo, han venido promoviendo la edición de publicaciones donde se destaca la vida y obra de diversos artistas latinoamericanos en su afán por promover el arte de esta parte del continente.

Iniciativas como la de la Sra. Patricia Phelps de Cisneros, son un loable esfuerzo (que debería imitarse por parte de otros coleccionistas) tanto en la difusión y proyección del arte y los artistas latinoamericanos de manera global,  especialmente en USA, y específicamente en New York, uno de los polos artísticos más importantes del mundo en la actualidad y en donde se evidencia la escasa presencia del arte latinoamericano(sus museos son visitados por gente de diversos países del orbe cada año y en el caso del moMA, éste recibe a  3.1 millones de visitantes por año, de los cuales la tercera parte son latinoamericanos). Gracias a esta donación y a la creación del "Instituto de investigación Patricia Phelps de Cisneros para el arte latinoamericano" se abrirá un nuevo acceso que dará un gran impulso a la investigación del arte latinoamericano en todas sus disciplinas  y además, en un futuro no muy lejano, la obra de los artistas latinoamericanos tenga un mayor reconocimiento, aceptación, mayor demanda en el mercado y por supuesto, tenga su justo y merecido lugar (después de haber sido relegado por tanto tiempo) dentro de la historia del arte universal.

ROSA MARÍA VARGAS R.
Historiadora, Crítica De Arte Y Curadora Independiente


Fotografías y diseño: ROSA MARÍA VARGAS R.

domingo, 9 de octubre de 2016

ALGUNAS IMPRESIONES ACERCA DE LA CEREMONIA DE CONDECORACIÓN A LA DENOMINADA"PROMOCIÓN DE ORO", DE LA ESCUELA NACIONAL SUPERIOR AUTÓNOMA DE BELLAS ARTES DEL PERÚ.



El pasado, 28 de setiembre del 2016, fecha que conmemora el 98º aniversario de la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú(ENSABAP), se llevó a cabo la condecoración con la Medalla de Honor “Daniel Hernández”; máximo galardón que otorga la escuela, por su importante aporte al arte peruano, a destacados artistas  bellasartinos  e integrantes de la recordada “promoción de Oro”, conformada por: Enrique Galdós Rivas(Lima-Perú,1933), Gerardo Chávez(La Libertad-Perú, 1937), Tilsa Tsuchiya(Lima-Perú,1928-1984), Alberto Quintanilla(Cuzco-Perú,1934),Oswaldo Sagástegui(Huánuco-Perú,1936), Alfredo González Basurco(Arequipa-Perú,1927- Italia,1999), Milner Cajahuaringa(Lima,1932);  y al maestro en educación artística y pionero en nuestro medio de la metodología para la enseñanza de arte a nivel escolar, Juan Villacorta Paredes(La Libertad-Perú, 1929), egresado de ENSABAP en la especialidad de Educación artística en el año 1954 y a quien muchos(incluyendo a quien escribe estas líneas)le debemos nuestro primer contacto con las diversas técnicas artísticas y la historia del arte peruano. La medalla fue impuesta a cada uno de los antes mencionados, por el Director General de la ENSABAP, Carlos Valdez Espinoza. Así mismo, contó con la presencia del Director General de Educación Técnico-Productiva y Superior Tecnológica y Artística del Ministerio de Educación, Miguel Calderón, de docentes, administrativos, estudiantes y representantes de algunos artistas condecorados, ausentes en esta ceremonia.

“PROMOCIÓN DE ORO ENSABAP”(Lima-Perú, 1959).
Esta denominación, que ha quedado grabada en la memoria de los bellasartinos y en la historia del arte peruano. Fue adjudicada a la promoción integrada por los artistas: Enrique Galdós Rivas, Gerardo Chávez, Tilsa Tsuchiya, Alberto Quintanilla, Oswaldo Sagástegui, Alfredo Gonzáles Basurco y Milner Cajahuaringa; siendo éste, un acto inédito e histórico para la ENSABAP: que un jurado otorgara 8 medallas de oro a una misma promoción, siendo el director en aquel entonces, Juan Manuel Ugarte Eléspuru(Lima-Perú ,1911-2004); quien tuviera un relativo éxito como artista, no obstante, su mayor mérito fue ser un reconocido investigador de arte, gestor y a decir de muchos: uno de los mejores directores que haya tenido dicha casa de estudios. Ugarte Eléspuru difundió el trabajo artístico de los jóvenes artistas egresados de la escuela, tanto en nuestro país como en el exterior, proponiéndolos como representantes de nuestro arte en bienales y concursos al lado de artistas de larga trayectoria; acertada decisión que impulsó las carreras de aquellas nuevas generaciones de artistas y docentes de arte que egresaron bajo su dirección, y algunos de ellos, dentro del marco de las celebraciones por el 98 aniversario de la ENSABAP recibieron tan merecido homenaje.

Ha sido muy emotivo observar reunidos a estos artistas y maestros de larga y celebrada trayectoria recibiendo la máxima distinción de la escuela, aunque mención aparte merece la recordada Tilsa Tsuchiya, a la que el cáncer nos la arrebatara de este mundo en el año 1984. En representación de su madre recibieron la póstuma distinción (medalla y diploma) los hijos de la fallecida pintora: Orlando Cornejo Tsuchiya y Gilles Mercier Tsuchiya. En un momento de la premiación, el actual director de ENSABAP anunció que, además de la imposición de tan honroso galardón, se bautizará a la sala de exposiciones del Centro Cultural de la ENSABAP con su nombre; hecho que honrará aún más la memoria de tan  ilustre artista peruana.

Tampoco se puede dejar de mencionar la participación, como intermedio musical, de los músicos Ademir Herbozo López y Jorge Puma Abarca, profesores de la especialidad de saxofón del Conservatorio Nacional de Música, quienes hicieron gala de gran dominio en la ejecución de tal instrumento con una pieza de música clásica. Aunque no se puede negar que nos quedamos “con la miel en los labios” esperando, tal vez, a que ejecutaran como última pieza algún Huaylas u otro ritmo originario de nuestra música del ande en la cual se emplee el mencionado instrumento y que le hubiera dado un toque de identidad nacional al evento. Aún así, la interpretación de dicho dúo musical fue magistral (especialmente para quienes también somos amantes del género clásico).

En general, reconocimientos de este tipo son importantes porque son un merecido homenaje en vida(como debe ser)a renombradas figuras que han aportado con su talento y dedicación al arte peruano. Así mismo, es positivo el que se continúe promoviendo la difusión del trabajo artístico de los estudiantes y artistas egresados confiriéndoles una mayor proyección dentro y fuera de nuestro país, algo que progresivamente viene haciendo la escuela el día de hoy y que podemos apreciarlo a través de su página web. Quien escribe, ha venido afirmando durante el tiempo de creado este blog (cinco años), mucho antes de su reciente incorporación como docente de ENSABAP(y sin ánimo de desmerecer el talento proveniente de otros institutos o escuelas de arte en el Perú) que, la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú desde su creación en 1918, ha sido y seguirá siendo una cantera de eximios artistas, siendo un pilar importante de la historia del arte peruano del siglo XX, cuya contribución a la misma, esperamos se prolongue durante el presente siglo XXI y los venideros.

ROSA MARÍA VARGAS R.
HISTORIADORA, CRÍTICA DE ARTE Y CURADORA INDEPENDIENTE.


FOTOGRAFÍAS Y DISEÑO: ROSA MARÍA VARGAS R.

jueves, 8 de septiembre de 2016

UN BREVE COMENTARIO ACERCA DE LA EXPOSICIÓN: "VIGILAR Y CASTIGAR, FOTOGRAFIAS PENITENCIARIAS DEL SIGLO XIX", DE A,A & A GALLERY EN CASA FUGÁZ- CALLAO MONUMENTAL.


El pasado 13 de Agosto  del 2016, se inauguró la exposición VIGILAR Y CASTIGAR, FOTOGRAFIAS PENITENCIARIAS DEL SIGLO XIX, en  A,A & A  GALLERY , ubicado en la primera planta del antiguo y ahora remodelado Edificio Ronald, espacio que alberga galerías de arte bajo el nombre de CASA FUGÁZ, en el Callao monumental.  La muestra ha sido dirigida por Sophía Durand en co-curaduría con Sonia Cunliffe, quienes han investigado acerca de la fotografía como parte importante de la organización documental de la otrora Penitenciaria de Lima (Panoptico), construida tras abolirse la pena de muerte, entre 1856 y 1860, por disposición del Presidente del Perú, Don Ramón Castilla,  dando inicio a un sistema carcelario del cual el Perú carecía por aquel entonces.  

Sophía Durand, co-curadora de la muestra.
 La exposición VIGILAR Y CASTIGAR, FOTOGRAFIAS PENITENCIARIAS DEL SIGLO XIX establece, entre otros aspectos, que la fotografía ha sido permanentemente un instrumento de control y orden por parte del estado y actualmente tiene el mismo propósito (y lo seguirá teniendo, ya sea apelando a la fotografía u otros medios tecnológicos).  Así mismo, nos demuestra que el Perú del siglo XIX no fue ajeno a ese medio de control a través de la fotografía o Daguerrotipo, nombre con el que se le denominaba por aquel entonces en honor a su creador: el Francés Louis Jacques Mandé Daguerre; y desde la llegada del invento de Daguerre al Perú en 1842(traído por el fotógrafo Maximiliano Danti) se consideró una herramienta tecnológica que tuvo un propósito comercial, dando lugar así a los primeros estudios fotográficos itinerantes y estables que realizaban fotografía artística para una clientela con un mero afán por perennizar un acontecimiento familiar o por la necesidad de identificarse o ser reconocido mediante el económico formato fotográfico de la “tarjeta de visita”, aunque las dimensiones del formato fotográfico empleadas por el sistema penitenciario de aquel entonces era reducida en comparación con el formato de la tarjeta de visita.

Partiendo de la investigación documental, las curadoras recurren a los registros gráficos como fuentes de información y en especial a la fotografía vista, incluso, más allá de la perspectiva del arte: como un soporte documental o documento de registro, recreando a través de ella(la fotografía) el contexto, permitiendo además, que el observador desde su propia percepción identifique y analice los rasgos psicológicos y /o los sentimientos encontrados a través de cada expresión facial o lenguaje corporal de los protagonistas, que han sido reproducidos a fidelidad por la cámara; o tal como manifiesta una de las curadoras de esta exposición, Sophía Durand: “…Contemplar cada una de estas piezas nos coloca en el lugar del fotógrafo-verdugo, confrontando la mirada del condenado, su lenguaje corporal y la frialdad del número que le asigna el sistema. Son rostros que evidencian la dureza del temperamento, el descaro risueño o el terror de una inocencia imposible de comprobar…”.  

En síntesis, esta exposición demostraría que nuestro incipiente sistema carcelario del siglo XIX adolecía desde sus inicios de una deficiente organización y en especial, en lo relacionado a los documentos de gestión administrativa durante las últimas cuatro décadas del decimonónico, y de cómo gracias a la investigación basada en este pequeño fondo documental recopilado (el cual consta de 52 documentos originales), bien sería el punto de partida para reconstruir un período de la historia penitenciaria en el Perú y al mismo tiempo(bajo la perspectiva del arte) nos permitiría abordar la parte técnica(como el empleo de insumos empleados en fotografía durante el siglo XIX en el Perú , por ejemplo) y aspectos del lenguaje gráfico-formal(composición, luz, color, etc. etc.) incluyendo así a la “fotografía penitenciaria” como un género fotográfico como un referente más para las investigaciones realizadas en torno a la historia y evolución de la fotografía en el Perú.  

Un excelente trabajo Curatorial y de investigación, donde se aprecia la coherencia existente  entre una bien fundamentada justificación y los registros gráficos presentados.  Una muestra digna de visitarse  y de paso (para quienes no conozcan el lugar) será una buena oportunidad de recorrer las diversas galerías que alberga el antiguo edificio Ronald y en sus alrededores, en el área conocida como: “Callao Monumental”, zona  recientemente puesta en valor, gracias a la loable  iniciativa de gestores, curadores, galeristas y artistas en un afán por descentralizar y ampliar el circuito galerístico de Lima, prolongándolo hacia nuestra provincia constitucional del callao. 

ROSA MARÍA VARGAS R.
Historiadora, Crítica de arte y Curadora Independiente.

Fotografías y diseño: Rosa María Vargas R.

NOTA: Debido a la gran acogida que viene teniendo la muestra, ésta continuará abierta al público hasta el Domingo 2 de Octubre del 2016, en el siguiente horario: de martes a domingo de 11:00 a.m. a 16:00 p.m.. Dirección: A A & A Gallery, Calle Constitución 250, Callao Monumental, Provincia Constitucional del Callao, Lima -Perú.

martes, 6 de septiembre de 2016

Un breve comentario acerca de la exposición RAYOS-X, RADIOGRAFÍA DE UNA CIUDAD, del artista Alberto Conrado en la galería RYOICHI JINNAI del Centro Cultural Peruano Japonés.


El 18 de agosto del 2016, se inauguró la exposición RAYOS-X, RADIOGRAFÍA DE UNA CIUDAD, del artista Alberto Conrado en la galería RYOICHI JINNAI del Centro Cultural Peruano Japonés. En dicha muestra se exhibe una serie de doce pinturas en óleo sobre lienzo y técnica mixta, de pequeño y mediano formato.

ALBERTO CONRADO
(Lima-Perú, 1964)
Artista visual egresado de la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú(ENSABAP) en la especialidad de Pintura además, egresado del  Instituto Superior Tecnológico María Rosario Araoz Pinto en la especialidad de Diseño Publicitario. Posee también estudios de  maestría en Gestión Cultural y Patrimonio de la Universidad San Martín de Porres y una Licenciatura en Administración de Empresas en la universidad Nacional Enrique Guzmán y Valle. También es socio fundador y actual vicepresidente de la asociación de egresados de la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes (AENBA).  Tiene en su haber cuatro exposiciones individuales y ha venido participando en diversas exposiciones colectivas.

RAYOS-X, RADIOGRAFÍA DE UNA CIUDAD,  tiene como tema principal a la contemporánea, urbana e informal Lima, siendo ésta representada  a través de la palabra escrita, imágenes y la intensidad del color. La  diversidad  cromática de su paleta y la aplicación de la misma nos remite al trabajo de Jasper Johns(Georgia-U.S.A., 1930), cuyo trabajo artístico es conocido por sus vibrantes contrastes, tal vez inspiradas en la psicodelia de los 60’s y en el Pop-art de un contemporáneo suyo: Andy Wharhol(U.S.A., 1928-1987).  Sin embargo, Conrado hace referencia a los letreros de los establecimientos comerciales y carteles de las marquesinas del centro de Lima en la década de los ochentas(actualmente se ven con mayor frecuencia en los distritos periféricos de Lima), que identificarán  a  eventos musicales de ritmos del ande como el huayno  y al fenómeno musical que alcanzó su mayor apogeo y consolidación en la Lima de inicios de los ochentas: La música tropical-andina; fusión rítmica de raíces andinas, la cumbia tropical que serán estilizados a través de instrumentos modernos como la guitarra eléctrica y el sintetizador, dando origen a lo que más tarde se denominaría como música “chicha”, término empleado desde entonces para denominar a esta nueva forma de  “sincretismo cultural ” donde  los inmigrantes del interior del Perú residentes en  la zona urbana de Lima quienes  progresivamente  irán sustituyendo sus propias prácticas culturales en su nuevo entorno cotidiano, que en la gráfica se traducirá en una nueva forma estética que desde hace un tiempo se ha convertido en objeto de estudio por antropólogos , sociólogos y más recientemente,  por artistas e historiadores del arte.

Alberto Conrado, al igual que  Jasper  Johns,  superpone  tipografía, colores, símbolos e imágenes icónicas de forma secuencial y/o divergente (y es previsible pues –coincidentemente- ambos poseen formación como diseñadores publicitarios).  Del mismo modo, el artista (Conrado) recurre  a la apropiación de la imagen icónica (determinado por el propio contexto geográfico, socio-cultural, político, etc.) y del imaginario popular religioso y musical, como la imagen del recordado cantante “chichero” Chacalón y de la beata(no reconocida por la Iglesia)Sarita Colonia, solo por citar algunas obras.

En su trabajo, el artista sintetiza la imagen, la palabra escrita y el contexto: letreros de tonos neón con mensajes o nombres  sugerentes  que aluden a  espacios  comunes ubicados dentro de una determinada área de la capital,  apelando a  la memoria visual  en un ámbito netamente popular, asociando establecimientos, y espacios que quizás puedan diferir entre sí por su propósito original; como en uno de sus lienzos en los cuales se observa el nombre de un “Chifa” (restaurante de comida china), la sugestiva frase “I love” junto al nombre y tarifas de un hostal-dispuestos dentro de la composición de la obra- Alberto Conrado las contextualiza dándoles una connotación distinta mediante la relación de causa–efecto, como por ejemplo: una comida en un “Chifa” que luego devendrá en un encuentro sexual (asociación lúdica que incluso forma parte del lenguaje popular peruano).

En conclusión: el artista construye su más reciente propuesta  abordando  el  imaginario popular cotidiano, empleando para ello el lenguaje visual, con frases resultantes que nos vienen a la mente por asociación,  sumado a su acertada  aplicación del color,  es sin duda  - a diferencia de su anteriores propuestas- su producción pictórica mejor lograda,  por la coherencia entre el discurso y la acertada técnica.

ROSA MARÍA VARGAS R.
Historiadora, Crítica de arte y Curadora independiente.


NOTA:  Esta exposición continuará abierta al público hasta el día 10 de Septiembre del 2016, en la galería RYOICHI JINNAI del Centro Cultural Peruano-Japonés, dentro del siguiente horario: de Lunes a Viernes de 10:00 a.m. a 8:00 p.m. y Sábados de 10:00 a.m. a 1:00 p.m.

sábado, 27 de agosto de 2016

UNAS APRECIACIONES ACERCA DE LAS EXPOSICIONES "TRÁNSITO ANÓNIMO", DE LA ARTISTA ROSA MARÍA VALLE (ROMAVALL) Y LA MUESTRA COLECTIVA "MANOS CREADORAS:MANOS DE MUJER", EN LA GALERÍA JUAN PARDO HEEREN DEL ICPNA DE LIMA.


El pasado 04 de Agosto del 2016, se inauguraron en la galería “Juan Pardo Heeren”,  del  Instituto Cultural Peruano-Norteamericano (ICPNA) de Lima, dos exposiciones artísticas: TRÁNSITO ANÓNIMO, de la artista Rosa María Valle (ROMAVALL) y la exposición colectiva MANOS CREADORAS: MANOS  DE MUJER, donde el denominador común era el género, siendo absolutamente femenina la relación de artistas participantes en ambas exhibiciones.

ROSA MARÍA VALLE (Lima-Perú, 1991) Artista visual egresada de la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú. Obtuvo la Medalla de Oro otorgada por Ensabap como alumna destacada de su promoción, en la especialidad de Pintura (2015) y en el presente año 2016 obtiene el Premio ICPNA Audiovisuales, con el Proyecto Tránsito Anónimo.

En TRÁNSITO ANÓNIMO la artista construye su propio lenguaje visual empleando como medio las instalación audiovisual, alternando secuencias de escenas con imágenes icónicas yuxtapuestas (recurriendo a la edición de imágenes a través de la extensión digital conocida como gif).  Por otro lado, otras imágenes se aprecian en contraposición pero bajo el principio de  reflexión (como si fuesen reflejadas en un espejo), superposición de imágenes compuestos por signos indéxicos (que nos indican acciones que van a suceder o que han sucedido) y,  algunos simbolismos que complementan al discurso de la artista y es, a través de la imagen en movimiento, con la cual denota y acentúa la importancia del espacio temporal ante el frecuente desorden cotidiano del tránsito peatonal y vehicular dentro del contexto-por demás caótico- del  Centro de  Lima.

Sumando todos los elementos antes mencionados, la artista construye a partir de ellos una nueva dimensión desde la cual, analiza la importancia del espacio urbano proponiendo la necesidad de una identificación del individuo con el área por el cual transita constantemente, algo que no se logra por completo en el día a día, y es esa misma falta de identidad (consecuencia de la diversidad cultural, social y étnica predominante en los habitantes de nuestra capital) lo que convierte a la Lima urbana en un espacio invadido por individuos heterogéneos entre sí, quienes ignoran el real valor del contexto compartido cotidianamente durante su efímero recorrido y alejan toda intención socializadora. Un interesante mensaje visual de cariz antropológico, que guarda coherencia con la propuesta presentada por la artista y que sería bueno no perderse.

Con respecto a la muestra colectiva MANOS CREADORAS: MANOS  DE MUJER (bajo la curaduría de Cesar Ramos), se podría afirmar que ésta es una propuesta que aborda además del arte, el tema de género, integrando la técnica académica de destacadas artistas visuales del medio, tales como: Luz Letts y Lici Ramirez( solo por mencionar algunas), con el trabajo de las artistas tradicionales procedentes de diversas regiones del Perú; desde la perspectiva antropológica de su curador. El trabajo de los artistas regionales ha sido erróneamente denominado desde hace mucho tiempo (de forma peyorativa e inconsciente) como “artesanía” y,  por otro lado, en un intento de revalorar este arte en la década de los setentas, se le adjudicó la etiqueta de “arte popular”; términos que no le hacen justicia;  y por mucho que se piense que el trabajo de los artistas regionales posee una naturaleza empírica, es sin embargo, el resultado de un proceso de aprendizaje-a través de la enseñanza- el cual se ha venido transmitiendo de generación en generación y concebidos además, bajo sus propios cánones y ello se denota en la forma, el empleo del color(intenso y vibrante en la mayoría de piezas), las texturas de sus materiales, etc, etc. De ahí su particular sentido de la estética: rasgos que a través del tiempo han ido identificando el arte de los diversos grupos étnicos quienes han recibido el legado de  ancestrales civilizaciones durante el transcurso de su historia, y además, han venido empleando materiales e insumos producidos en su propia región y, que de algún modo , han sido considerados como poco convencionales para el arte occidental, sin embargo,  desde hace algunos años atrás, están siendo explorados por artistas visuales de formación académica como materia prima para materializar sus propuestas: los tejidos, la indumentaria, el arte utilitario de raíces andinas o amazónicas, los patrones del dibujo amazónico, los tintes  empleados para dar color a la tela, todos ellos son recurrentes actualmente como parte de la investigación para las diversas propuestas de artistas académicos en la actualidad, y por ende esta exposición consigue  valorar y unificar el trabajo de mujeres peruanas desde la perspectiva artística sin que ello altere su identidad como artistas.

Una observación que podría hacer con respecto al tema de difusión en medios(que no mella en absoluto con la calidad de la muestra, pero es necesario no dejar pasar por alto este detalle) es que debería haberse mencionado la lista de nombres de las 50 artistas participantes que gracias a su arte dan vida a este interesante proyecto y aunque la concepción del mismo es mérito del curador-valgan verdades-sin embargo, habría sido conveniente dar a conocer la totalidad de nombres sus artistas en redes sociales y medios escritos para familiarizar más al público y éste pueda asociar a las artistas con el trabajo que vienen realizando dado que, no todos pueden asistir a la galería y recibir un folleto informativo de la muestra(publicación donde si aparece la relación de las artistas). Con dicha mención de las mismas se lograría así la finalidad de la muestra: la buena intención del curador y del ICPNA en su encomiable labor al difundir las artes tradicionales y a sus creadoras en todos los medios y espacios posibles pero, con nombres y apellidos debido al respeto que se merecen debido a su trayectoria y la relevante participación en este elogiable proyecto artístico.

En resumidas cuentas: son artistas mujeres peruanas unidas por sus habilidades y talento sin importar su procedencia, la formación que posean, ni su propia esencia artística. Una buena exhibición que dignifica y revalora  las artes tradicionales a través de una transición inclusiva del arte tradicional desde su lugar de origen hacia la galería de arte a través de la fusión entre lo moderno y lo tradicional.  Una exhibición que sin lugar a dudas, vale la pena apreciar.

ROSA MARÍA VARGAS R.
Historiadora, Critica de arte y Curadora independiente
 Fotografías y Diseño: Rosa María Vargas R. 


NOTA: Ambas exposiciones: TRÁNSITO ANÓNIMO, y la muestra colectiva MANOS CREADORAS:MANOS  DE MUJER, estarán abiertas al público hasta el día Domingo 28 de Agosto, en el horario de  11:00 a.m. a 8:00 p.m. Dirección del ICPNA de Lima: Jr. Cuzco Nro. 446 – Lima 1. 

viernes, 19 de agosto de 2016

Mi primer día de labor Docente en la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú. Ciclo 2016-II

Hoy,  Viernes 19 de Agosto del 2016, inicio una nueva etapa profesional como Docente de la asignatura de Comunicación visual I, en la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú (ENSABAP). Me siento contenta de iniciar este ciclo con estudiantes con mucho talento e interés en la especialidad  artística que han elegido y sus deseos de aprender. Mi agradecimiento a ENSABAP  por darme la oportunidad de ejercer la docencia en su reconocida y ya casi centenaria institución(en el 2018 cumplirán 100 años de creación), es para mí un gran honor. 







viernes, 15 de julio de 2016

Un breve comentario acerca de la exposición "POLVO ENAMORADO", del artista MIGUEL VALVERDE ROBLES,"MICHA", en el bar "La Emolientería" de Miraflores




El pasado Miércoles, 22 de Junio el 2016, se inauguró la exposición “Polvo Enamorado”, del artista Miguel Valverde “Micha”; que tuvo como marco un espacio de exhibición poco convencional: el bar “La Emolientería”  en Miraflores.

MIGUEL VALVERDE ROBLES, “MICHA” (Ancash-Perú, 1980) 
Artista visual, Diseñador gráfico, fotógrafo y gestor de proyectos culturales,  egresado de la especialidad de Pintura en la Escuela Nacional Autónoma de Bellas Artes del Perú, con un bachillerato en arte en la Universidad Nacional Mayor de San Marcos; estudió Diseño Gráfico en el Instituto Toulouse Lautrec y Diseño Web en el Instituto MGP Group. Tiene en su haber diversas exposiciones colectivas nacionales e internacionales en Países como: España y Argentina. Dedicado además-desde hace años- al retrato (iniciándose con el maestro Andrés Palacios); y posteriormente, se dedicaría-en el taller de Juan Chiclla-al retrato iluminado o “Monero”,  referente actual de su más reciente propuesta.  

El retrato “Monero” o “mono” de los últimos diez años en el Perú, posee una técnica que difiere del retrato iluminado tradicional, pues anteriormente, se retocaban coloreando y dándoles luminosidad a las fotografías con tiza pastel. Dichos retratos eran muy populares en la década de los cincuentas del siglo XX, especialmente en la ciudad de Lima(en particular, por los inmigrantes de diversas provincias del Perú quienes eran-y aún lo son-muy afectos a este tipo de representación de sus seres queridos).  Actualmente es muy popular  en países de Centroamérica y en México, donde se evidencia una gran demanda y desde donde llegan  gran cantidad de encargos a talleres de Lima y alrededores, actividad gracias a  la cual,  algunos pintores  peruanos se han venido ganando la vida de forma discreta. En nuestros días, se vienen elaborando dichos retratos empleando imágenes en color impresas, las cuales, se trasladan a un lienzo y luego son  retocadas con pintura al óleo, técnica también conocida como “Foto-óleo”, que les permite ahorrar tiempo e insumos, sin embargo,  Valverde Robles apuesta además, por la técnica del retrato tradicional de caballete, como el  buen pintor “de oficio” que es.

En "Polvo Enamorado",  el artista construye un particular escenario, apelando para ello, a la apropiación de imágenes icónicas del imaginario político, artístico y televisivo nacional y universal; mimetizando identidades individuales en una suerte de sincretismo donde armoniza desde lo bueno y lo malo,  lo bello y lo grotesco hasta  lo real y lo absurdo. Por ultimo; rinde homenaje en una serie de 3 obras dedicadas a aquellos jóvenes íconos quienes destacan en diversos ámbitos en nuestro país, aunque en este caso, para complementar su discurso, el artista ha realizado un trabajo cuya composición incluye la intervención del enmarcado de la pieza pictórica, otorgándole así, cierta significancia y una mayor comprensión a quien lo observe.

Su propuesta, reinventa el retrato iluminado creando un universo, donde parte de lo eclético para rememorar así contextos y personajes; algunos compatibles, otros más bien antagónicos, recurriendo a  la sátira e ironía para lograr su objetivo: crear imágenes ilusorias o situaciones ficticias, siempre en parejas(composición recurrente dentro de la tradición del retrato ”monero”).  Miguel Valverde Robles denota además,  su buen  dominio en la ejecución de la técnica académica del retrato en estas series presentadas al prescindir en mayoría, de la transferencia de la imagen proveniente de la  impresión digital (salvo algunos detalles del fondo), y en cambio, le dá mayor  importancia al empleo de la técnica retratista académica adquirida durante su formación,  algo que  es bastante meritorio en este tipo de trabajo artístico,  reafirmando con ello su calidad como artista más allá del  “transfer”  demostrando,  que su trabajo es mucho más que eso y su obra así lo confirma.

ROSA MARÍA VARGAS R.
Historiadora, Crítica de arte y Curadora Independiente 
  

NOTA: La exposición estará abierta al público hasta el  17  de julio, en el horario de de 8 a.m. hasta la 1:00 p.m., los viernes; y el sábado hasta las 3:00 a.m.

jueves, 14 de julio de 2016

Inuaguración de la exposición "LÍRICA DE LA NOSTALGIA", de la Artista MARITA PALOMINO. Centro Cultural CAFAE-SE. San Isidro.

Hoy 14 de julio del 2016, se llevó a cabo la realización de la exposición "LÍRICA DE LA NOSTALGIA", de la Artista Marita Palomino. No realizaré crítica alguna acerca de la obra de la artista  pues, no sería ético de mi parte pronunciarme al respecto por tratarse de una artista cuya exposición estoy curando actualmente, sin embargo; si deseo expresar mi agradecimiento a la Artista Marita Palomino , por confiar en mi trabajo curatorial y del mismo modo al Centro Cultural CAFAE-SE por las facilidades brindadas durante las coordinaciones , montaje y en la fecha inaugural. 

Quedan cordialmente inivtados a visitar la muestra "LÍRICA DE LA NOSTALGIA", en la Galeria del Centro Cultural CAFAE-SE: Avenida Arequipa 2985, San Isidro-Lima. Perú. La exposición estará abierta  al público hasta el día 07 de Agosto del 2016.